… Bien que n’ayant presque jamais fréquenté l’école, son instituteur lui fait un jour cadeau d’un livre de sculptures nègres. Et comme il est enfin chez un bon patron, il peut se mettre à travailler le bois. Commence alors une succession de récupérations d’objets ruraux, chevrons, segments d’outils… A partir desquels il va créer des totems aux lourds visages taillés dans la masse, les yeux gravés à peine, mais le nez et la bouche en relief ; des animaux ; des profils humanoïdes…, dont L’Aracine dira : « Paraissant tous semblables dans leur extrême simplicité, chacun pourtant porte sa différence. Autant de Dieux qui veillent dans le silence et la solitude de ce petit homme frêle et timide ». C’est qu’en effet, si tous sont sciés et découpés, la réalité transparaît toujours : le ventre de l’ourse en train de fureter s’arrondit jusqu’au sol ; les caractères négroïdes de la femme sont indubitables, le berger se dresse entre ses échasses ; le chapeau plat à visière orne bien des têtes masculines. Et des portraits sont rendus plus vivants par des surlignages des détails avec des couleurs ocre plus claires…

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… Ainsi, comme il est dit plus haut, clef de voûte de cette iconographie, ces petits êtres sont toujours dépourvus de corps. Comme si, pour le peintre, seules comptaient les têtes ; ce qui expliquerait pourquoi elles sont généralement posées solidement sur une amorce de cou. Ou, si l'amorce est inexistante, (comme c'est souvent le cas), elles se tiennent néanmoins bien droites sur leur base. Conçues, en dépit de tous les questionnements, avec tant de certitude, que chacune est chantournée sans hésitation d’un unique trait de pinceau ; sans qu’il soit possible d’en déterminer le point de départ : arrondissant ou rentrant l’ovale des joues ; affirmant leur assurance avec leur menton carré ; gominant les maigres chevelures brunes, blondes ou rousses… Pas d'oreilles, de peur de rompre la linéarité de leur contour, peut-être ; ou comme si le visage en gestation devait naître centré sur lui-même, n’avoir pas vocation à "écouter" l’extérieur (ce que contredisent les yeux, d’où un paradoxe a priori). Et puis, presque rien, sauf les yeux justement, dotés d'une seule possibilité directionnelle… Un nez, parfois filiforme, en V inversé, en triangle inachevé, quasi-réaliste parfois… Et la bouche, petite, aux commissures toujours relevées pour affirmer que tous sont réjouis, qu'au pire ils réfléchissent et la bouche est alors parfaitement horizontale ! Car il s’agit chaque fois pour François Chauvet, avec ces traits rudimentaires, cette grande spontanéité ; cette discrétion et cette immutabilité absolues ; cette absence radicale d’effets spectaculaires ou fictifs, de rendre perceptibles à l’instant, leurs états psychologiques…

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… D’explorations en rejets, d’impossibilités mentales en avancées psychologiques, Michel Hénocq est parvenu à ce monde des interdits qui le fascinent et qu’il voulait "dénoncer" sans les "dire". Il lui fut bientôt évident qu’en cette progression dans la gravité, s’il ne voulait pas tomber dans les scènes sanguinolentes ou tout à fait sinistres, il devait à tout prix préserver l’humour, la connotation dérisoire du tableau. Jusqu’à ce qu’enfin, il acquière la certitude d’avoir atteint le but qu’il traquait. Il s’est alors intéressé au thème d’" Héloïse et Abélard" : Travail manichéen, en noir et blanc, dont le baroquisme tenait à la débauche de détails, à la curieuse façon de camper ses personnages tout à fait irréels ; d’une laideur repoussante ; aux corps liés, suspendus dans le vide comme des météorites hurlantes qui graviteraient au-dessus d’un non-lieu, dans un non-temps ; parmi des cailloux également en lévitation, et des arbres éperdus de vent. Et, alentour, une frontière composée d’un monstrueux bestiaire d’hommes/bêtes ou de bêtes/hommes ?

Des légendaires amoureux tués par la bêtise et l’intégrisme, à l’"Apocalypse », il n’y avait qu’une centaine d’œuvres que Michel Hénocq a franchies allègrement. En une nouvelle bouffée de personnages intemporels, de scènes allégoriques, d’alliances de teintes hautement symboliques… Non pas une histoire linéaire, mais des sortes de flashes où l’artiste joue des lumières avec tout son talent et son grand savoir-peindre ; pour rendre plus infernaux les montagnes qui avalent la foule des "méchants" et les abysses où se concentrent les tourbillons de la damnation…

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… Le sérieux apporté à cette création n’a pas empêché l’artiste de travailler sur le mode ludique. Ainsi, personnalisant l’ensemble de ses œuvres, il en fait de vrais bouquets aux tiges droites ou incurvées, dont les corolles s’ouvriraient. Il façonne ses trouvailles en piquets suivant la forme de la branche les laisse presque à l'état d'ébauche, -en somme, c’est le bois qui décide- se contentant d'enlever à la gouge de minuscules copeaux ; jusqu’à l’extrémité qui va devenir une création la plupart du temps masculine. Il burine finalement de petites têtes ovales, faisant saillir les pommettes, étirant les yeux en deux fentes, mettant le nez droit en relief, et creusant la bouche qui, toujours, crie ou chante, continuant parfois par une possible barbe qui donne au visage un air dur et inamical. Puis, invariablement, désireux de conserver la longueur initiale, se dresse au-dessus de la tête, un bonnet très haut par rapport à la taille du visage, quelquefois biscornu lorsque le bois est particulièrement érodé ! Pas de membres. En somme, Jean-François Joguet est un créateur de têtes de bois !...   

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     … Car chaque tableau EST une narration : une histoire fantasmagorique, mythologique, ethnographique, littéraire ou cinématographique ; profondément ludique sous ses dehors sérieux. Des péripéties où les personnages sont parfois sagement inscrits dans l’espace anonyme qui leur est dévolu ; mais affectent le plus souvent d’être en lévitation, de n’obéir à aucune gravité ; transgressant leurs limites, pour conquérir des territoires qui ne leur seraient pas d’emblée impartis ! Indisciplinés donc. Aventureux. Et puis, autre originalité, et même si parfois l’artiste « s’exprime à plat », ils sont en saillie, comme si la troisième dimension participait de ces « émancipations ». De sorte qu’il est difficile de préciser –mais quelle importance ?- si les œuvres d’Alain Lacoste sont des peintures en reliefs, ou des sculptures plates ; puisque peintures et sculptures conçues en des couleurs vives associées en d’audacieux contrastes, s’élaborent simultanément, se complètent, s’interfèrent ; le ciseau et le pinceau travaillant « ensemble », à les combiner pour y générer des moments psychologiques forts.

Le créateur recompose/colle/peint ces petits êtres sur la toile, les organise en des « scènes » appartenant à l’imagerie populaire, du temps où bêtes et gens se comprenaient, se parlaient, avaient en somme des rôles de semblable importance. En conséquence, elles le ramènent (et avec lui le spectateur jubilant) aux lectures de son enfance, à de patibulaires truands ferraillant, cache sur l’œil, épée et coutelas en action, échappés nul ne sait d’où ; à des enfants irrévérencieux tirant la langue, lancés dans d’homériques bagarres ; à de redoutables griffons menaçant quelque brave explorateur ; à Jonas sortant de la baleine dotée de quatre énormes pattes… 

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     … En effet, il travaille longuement ses toiles, y campe un dessin absolument réaliste à partir duquel la peinture assure les contrastes de forme et de couleur, au service de la “description” de l’objet, du paysage, ou du personnage, placés en avant-plan, et conforte la “solidité” plastique de l’œuvre. Ainsi mis  en scène, ce premier plan dégage paix et sérénité, intimité et convivialité, ou au contraire force et pugnacité : Ici, traumatisé par les dégâts causés par des manifestants à l’Arc de Triomphe, il reprend avec une précision incisive le visage du moulage de plâtre du « Départ des Volontaires de 1792 », la chevelure ciselée, les sourcils froncés, l’énorme trou défigurant ce visage hurlant ; ailleurs ce sont de paisibles paysages qui ornent les cimaises : l’extrémité d’une île se reflétant dans l’eau, la scène éclairée par une lune énorme au niveau de l’horizon ; les lampes d’une double rangée de réverbères rendues diffuses par la pluie se reflètent dans une rivière, tandis qu’un vague monument bouche au loin le paysage…

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          Parallèlement, a disparu le faste des monuments qui devaient paraître à l’enfant immenses et effrayants. Ils sont devenus chapelles à l’échelle humaine, arcades branlantes auxquelles s’agrippent quelques plantes rudérales, châteaux en ruines, grottes fantasmatiques, etc. Des "restes" de splendeurs anciennes, abandonnés nul ne sait quand, ni pourquoi ? Baignant dans une atmosphère livide qui abstrait toutes profondeurs. Avec parfois, des chemins qui semblent s’en aller "vers". Mais vers où ? Aucun indice ne permet de conclure. Et même, ces possibles "ailleurs" s’avèrent illusion, puisque, immanquablement, ils se heurtent à quelque muraille latérale, se perdent aux marges du tableau. De sorte que chaque œuvre de l’artiste pourrait être un élément d’un film de Murnau, avec ses décors fermés, expressionnistes et glauques.

 Néanmoins, ces sites sont habités. Mais là encore aucune clé ne permet de deviner comment des "humains" sont parvenus en ces huis clos ? Qui sont ces créatures dépourvues de membres ; s’appuyant, de temps à autre, sur des ailes ? Aux visages figurés par de simples ovales entourés d’une auréole ? Aux corps à peine esquissés, désincarnés, réduits à leur ultime enveloppe, épiderme ou suaire ? Paradoxalement, dans l’esprit de Monique Le Hingrat-Villion, rien de religieux ne vient hanter ces lieux ; et ces êtres ne sont pas des anges ; même si, dans ces ambiances chargées de mysticisme, ils seraient parfaitement chez eux !...

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          Puis, comme il faut bien se raccrocher à un peu d'humour, les individus créés par Adam Nidzgorski "suivent leurs nez", de gros appendices phalliques qui leur mangent le visage, pendent comme des points d'exclamation entre le crâne au cheveu rare et la bouche en "o" ! Tout cela dans des noirs profonds ou de belles couleurs qui corroborent l'humeur de ces protagonistes. Car l'artiste est un coloriste talentueux : même en noir et blanc, ses œuvres ont l'air d'être en couleurs : Il sait combiner d'infimes touches d'ocres pâles pour nuancer le blanc, des dégradés de gris pour ciseler le noir ; créer avec eux comme chez les poètes, des ruptures, silences, plages de repos lui permettant de s'isoler, prendre du recul par rapport à ses personnages... le contrepoint étant un véritable festival de cinabres et de carmins, d'indigos et de myosotis, d'ambres chaleureux ou d'oranges acidulés... en particulier lorsqu'il crée des tapisseries dont les grandes envolées l'emmènent inconsciemment vers son folklore polonais, des œuvres gaies, stimulantes à la fois pour l'esprit et le cœur. Leur charme naïf, l'élégance de la broderie qui détermine les visages, créent un stupéfiant travail recto chamarré comme une légende du jour explosant de couleurs, et un conte de la nuit où seuls les contours des faciès se dessinent sur le verso de toile bise !

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          … La plupart de ces êtres se résument à des visages et sont seuls. Mais s’ils sont associés à d’autres ("Famille"), tout se passe comme si l’artiste voulait présenter, à la fois tour à tour et dans leur appréhension globale, les différents états d’une même misère : parfois, ils sont de guingois, nez écrasés, dents apparentes en une sorte de rictus, yeux vairons exorbités (au sens littéral), peau couperosée de mille veinules vibrillonnaires. D’autres fois, il s’agit du même visage aux quatre temps de la vie : lisse et souriant ; un peu « attaqué » déjà ; aux rides accentuées en des lignes douloureuses de soucis ou de souffrances ; de plus en plus raviné jusqu’à n’être qu’un réseau de plis faciaux ; cependant que la bouche s’affaisse, et que les yeux se délavent… Mais ce qui est paradoxal, c’est que Jean-François Rieux semble prendre cette vie à l’envers : en tout cas, pour percevoir la logique de son cheminement, il faut lire ce tableau de droite à gauche. A moins qu’il ne s’agisse d’une sorte de retour sur soi-même du personnage parvenu au terme de sa vie, et qui en remonterait le cours jusqu’au moment du premier souvenir ?... 

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          C’est que la démarche de Gérard Sendrey est, elle-même, totalement ouverte aux gens “simples” ; une main tendue vers toute manifestation de ''l'art inventif des génies ordinaires". Et ce travail acharné, commencé bien avant l'époque où l'artiste fut découvert par Dubuffet, ne lui a sans doute pas gagné que du pain blanc ! Mais, désireux d'ouvrir de nouvelles pistes à des gens que l’art officiel n'appelle pas "artistes", il a créé à leur intention un musée “hors-normes", un lieu pour toutes les œuvres qui, d’abord qualifiées d’"art brut”, ont multiplié les vocations et sont devenues “Création franche", "Arts singuliers", “Art immédiat"... Il a appelé ce musée SITE DE LA CREATION FRANCHE (¹), devenu après des années "MUSEE DE LA CREATION FRANCHE" : une partie en est la GALERIE IMAGO qui présente des expositions de peintures et sculptures. Chaque automne, le musée organise une exposition appelée pendant des années "Les jardiniers de la mémoire" puis devenue "Visions et créations dissidentes". Il assure la publication de monographies, biographies... Le troisième volet de cet étrange endroit, le F.C.A.B.I. (Fonds de Création Artistique Brute et Inventive) est le dépositaire d’œuvres originales et magnifiques.

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       … Il faut croire que l’imagination d’Ukéo est infinie, parce que cette frise peut être quasi-inexistante, cerner complètement l’œuvre, être au milieu du support générant ainsi deux vies ou groupes de vies, etc. Mais quelle que soit la formulation, son importance est capitale, et elle assure l’équilibre et la diversité de chaque création. 

          Est-elle presque inexistante, un large espace blanc subsiste autour du tableau qui comprend, perdu au milieu de ce blanc (ou gris, d’ailleurs), un personnage serré entre deux spatules médicinales (ce qui donne au visiteur la taille du tableau et crée un léger relief) ! ce personnage sur fond rouge vif peut être stylisé, donnant à la « femme » l’aspect d’une Alien, ou au contraire être presque réaliste, et elle est vêtue d’un costume folklorique et coiffée d’un képi. Mais ce sont alors les spatules qui garantissent la richesse de l’œuvre, peintes en noir, découpées en cases de tailles variées, dans lesquelles tentent de s’agiter (tentent car leur espace est réduit) d’autres personnages, des diables, un homme tenant une rose sous la lune, deux têtes prises en une querelle manifeste, un singe recroquevillé, que sais-je encore ? …

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          Modeste, pourtant, sans qu'il y ait contradiction, comme s'excusant de ne pouvoir s'empêcher de peindre, puisque "tout se passe dans la tête !" N'envisageant pas d'exposer ses peintures, par contre, "parce qu'il faudrait les encadrer !" Timide, aussi. Content, vraiment, que l'on vienne à lui, parce qu'il est bon de sentir sur soi le regard des autres ; mais bien installé dans sa coquille ! Puéril parfois, "racontant" son histoire en Morse - sa deuxième passion, acquise à seize ans, lorsqu'il était marin - ; riant de bon cœur de l'air éberlué de son interlocuteur qui, bien sûr, n'y comprend goutte ! Et, dans le garage où ce créateur si convivial a entraîné ses visiteurs survenus inopinément, Robert Vassalo sort les multiples peintures qu'il conserve précieusement dans un coffre à bois ! Des paysages, d'abord, puis des femmes : des femmes dans tous les états possibles, se rendant au marché, à la plage, chapeautées ou en cheveux (toujours longs), provoquant un taureau, caressant un chien... Mais surtout, allongées, lascives et nues, parce qu'"il n'existe rien de plus beau que le corps ou le visage féminin !" A-t-il, ce faisant, le désir de peindre des fantasmes érotiques ? Non, car il a une conception très morale de son approche du nu !

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