**** 120 ans de la disparition de Jules Verne, un Centre lui est dédié à Bruxelles.

 

« Toute l'équipe du Musée et du Centre d'Art Fantastique a le plaisir de vous annoncer l'ouverture du Centre Jules Verne, nouveau pôle culturel situé à Forest (63-67 chaussée de Neerstalle – 1190 – Bruxelles) au sein de l'ancien cinéma Roma.

L'inauguration aura lieu le lundi 24 mars à 19h, date d'anniversaire des 120 ans de la mort de Jules Verne.

Dès 18h, la montgolfière partie de l'hôtel de ville de Saint-Gilles le 4 janvier dernier arrivera lundi 24 mars sur l'esplanade de l'hôtel de ville de Forest, soit 80 jours plus tard comme dans le prestigieux roman de Jules Verne (si la météo le permet).

À 19h, l’inauguration officielle du Centre Jules Verne proposera les animations de la Baronne Perchée et une représentation de danse serpentine. Michel Dircken, conservateur du centre, présentera également la future programmation du lieu en présence des autorités communales.

À cette occasion, vous pourrez aussi découvrir l'exposition dédiée à Alice Guy, première cinéaste au monde, ainsi que les événements à venir :

• De mars à juin : l'exposition Alice Guy, pionnière du cinéma

• Cet été : l'animation du labyrinthe fantastique de Jules Verne

• En octobre : le parcours d'artistes de Forest et le VernFest, événement pluridisciplinaire centré sur le rétro-futurisme

Au cœur de la capitale de l'Europe, le Centre Jules Verne est un espace dédié à l'imagination qui accueillera arts plastiques, 7ème art, littérature, rencontres et ateliers. La figure tutélaire de Jules Verne, écrivain précurseur de la science-fiction et grand arpenteur de mondes imaginaires, imprégnera l'endroit de son esthétique rétro-futuriste. (NDM)

 

**** ALICE GUY PREMIERE CINEASTE AU MONDE 

 

« Alice Guy (1873-1968), première femme cinéaste au monde, tournée plus de 600 films, mais reste largement méconnue du grand public. Pourtant c'est elle qui a inventé le film scénarisé et tourné les premières projections sonores (phonoscénes) avant le cinéma parlant.

Cette exposition, conçue par le vidéaste Jean-Pierre Senelier, retrace l'œuvre exceptionnelle du cinéaste et lui donne ainsi la place qui lui revient parmi les pionniers du cinéma mondial. Elle concerne les premiers films tournés en France, alors qu'Alice Guy était directrice de production chez Gaumont (1896-1907), avant son départ pour les États-Unis où elle créera le premier studio de cinéma et la première maison de production américaine, la Solax, avant Hollywood.

L'originalité de l'exposition tient à la présentation de s films dans des cadres anciens, comme un accrochage de photos. Il s'agit de petits films d' une à deux minutes , édités par Gaumont Archives , qui tournent en boucle et témoignent d' u sens inné de l'image cinématographique qu'avait la réalisatrice, ouvrant la voie du cinéma de fiction.

Alice Guy touche à tous les styles : scène burlesque, numéro de music hall, actualité , film engagé. Au travers de ces films, elle prouve sa maîtrise du cadrage, de la mise en

sc è ne, de la direction d'acteurs, de l'éclairage et même du son avec le Phonosc è ne. Elle utilise également les premiers trucages comme le « Cut Caméra » .

Une suite de panneaux retracent la vie aventureuse d'Alice Guy sous forme de planches dessinées issues du roman graphique de Catel Muller, publiée chez Casterman.

La particularité de l'exposition est d'allier les premiers films de fiction tournés au monde à des technologies de dernière génération. » (NDM)

 

 L'inauguration aura lieu le lundi 24 mars à 19h (fermé le mardi)

**** BARBRO ÖSTLIHN

 

L'Institut Suédois présente l'artiste Barbro Östlihn. Au carrefour des avant-gardes américaines et européennes, Barbro Östlihn a développé un langage pictural unique, hors de tout courant artistique. Mais il aura fallu changer de millénaire pour que l’œuvre de cette peintre prolifique, mariée à un célèbre artiste, nous apparaisse dans toute sa force. Cette exposition est la première rétrospective de Barbro Östlihn en France.

En 1961, Barbro Östlihn débarque à New York avec son mari, Öyvind Fahlström, artiste visuel, critique d’art et auteur reconnu. Ils emménagent dans l’ancien loft de Robert Rauschenberg au sud de Manhattan, qui leur servira à la fois d’appartement et d’atelier commun. Impressionnée par l’architecture imposante autant que par la valse des constructions, destructions et réhabilitations de cette partie de New York, Östlihn développe son propre langage pictural, en marge du pop art et du néo-réalisme alors en vogue. Elle parcourt l’île de jour, appareil photo à la main, et peint la nuit. Ce n’est pas le bouillonnement de la rue qui l’intéresse, mais les façades qui en forment les coulisses et qu’elle traduit sur de grandes toiles par des mosaïques et des macroformes géométriques. Ses tableaux portent souvent les noms des adresses ou des édifices qu’ils représentent.

À partir de 1963, elle expose régulièrement dans des galeries telles que la Galerie Cordier & Ekstrom, Tibor de Nagy Gallery, Marian Goodman Gallery, et remporte l’adhésion de critiques renommés comme Barbara Rose et Donald Judd. Elle collabore aussi avec Fahlström autour de nombreux événements – la Biennale de Venise en 1966, des expositions, des soirées – où se côtoient les avant-gardes de tous champs et de tous horizons. Malgré sa place dans cette communauté et la finesse de son œuvre picturale, ce n’est que récemment que son art a reçu la pleine reconnaissance qu’il mérite.

Le couple se sépare en 1975 et Östlihn s’installe l’année suivante à Paris avec l’artiste français Charles Dreyfus. Elle y demeurera jusqu’à sa mort en 1995. À nouveau, les murs et les sols constituent des sujets pour sa peinture, qui évolue vers un langage encore plus abstrait. Barbro Östlihn est alors représentée par la galerie baudoin lebon.

Son œuvre puissante et singulière devra attendre la grande exposition de Moderna Museet en 1984 pour se faire connaître en Suède. C’est à partir des années 2000, après le décès de l’artiste, qu’une série d’expositions viendra consacrer sa place dans l’histoire de l’art suédois d’après-guerre. Après une première présentation de sa période new-yorkaise en 1997, l’Institut suédois offre ce printemps la première rétrospective de Barbro Östlihn en France. Comme un clin d’œil à l’éternelle fascination de l’artiste pour les transformations architecturales, cette exposition inaugure une série d’espaces nouvellement rénovés de l’Hôtel de Marle. 

L’exposition montre une vingtaine d’œuvres, pour la plupart en très grand format, emblématiques de l’ensemble de sa carrière, ainsi que des reproductions de photographies et des esquisses servant de base à son travail. La sélection est complétée par des documents d’archives et des clichés du célèbre photographe Christer Strömholm, témoignant des relations entre artistes suédois.es et français.es à Paris dans les années 1960 et du rôle d’Östlihn dans ces échanges ». (NDM)

 

Exposition du 28 mars au 20 juillet 2025.

**** L’UNIVERS IMPRIMÉ DE PONTUS HULTEN : « Gardez le sourire »

 

"À la tête de plusieurs institutions artistiques majeures à travers le monde, Pontus Hultén (1924 – 2006) a révolutionné le monde de l'art et sa place dans la société. L'Institut suédois présente une centaine de productions graphiques réalisées sous sa direction, témoignant d'un anarchisme ludique, libre et profondément inventif.

plusieurs grands musées à travers le monde, dont Moderna Museet à Stockholm, qu'il dirigea de 1958 à 1973, et le Musée national d'art moderne au Centre Georges Pompidou, dont il fut le premier directeur entre 1973 et 1981. Il a marqué l'histoire et assis la renommée mondiale de ces musées avec des expositions conçues tout à la fois comme des critiques de la société et comme des expériences totales, effaçant les frontières entre l'art et la vie. Certaines expositions présentées au Moderna Museet dans les années 1960 ont fait date : la sculpture monumentale et iconique « Hon » 1 par Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely et Per Olof Ultvedt, devant laquelle la foule se pressait pour entrer dans un vagin géant. L'exposition « Modellen – för ett bättre samhälle » 2 invitait les enfants à explorer et remodeler l'espace muséal, comme une métaphore du changement social. De la même façon, le public pouvait participer à la création d'une partie de l'exposition « Poesin måste göras av alla. Förändra världen! » 3 , et appeler un numéro pour exprimer son avis sur la programmation. Afin de rendre l'art accessible à tous et de permettre son intégration dans la vie quotidienne, Pontus Hultén a été parmi les premiers à étendre les horaires d'ouverture du musée. Sa politique tarifaire s'inscrivait aussi dans une volonté d'ouverture et de démocratisation : le catalogue de l'exposition « Andy Warhol » (1968, Moderna Museet) était par exemple vendu à un dollar.

Hultén a façonné l'univers visuel des musées qu'il a dirigé en réunissant artistes, commissaires, graphistes, éditeurs, auteurs et imprimeurs autour de projets audacieux, à contre-courant des conventions. Ces collaborations ont fait voler en éclat les hiérarchies traditionnelles, les rôles s'entremêlant, se réinventant ou disparaissant complètement. Bien qu'il n'ait que rarement conçu ou imprimé lui-même, l'influence de Hultén était perceptible à chaque étape du processus créatif. Parmi ses collaborateurs réguliers figuraient les designers graphiques suédois Hubert Johansson, John Melin & Anders Österlin (M&Ö) et Gösta Svensson, ainsi que, plus tard, des figures internationales comme Roman Cieślewicz et Jean Widmer.

D'après Hultén, chaque objet graphique avait le droit à son propre caractère, son individualité. La forme devait refléter le contenu, mais aussi la personnalité de son concepteur. Elle devait rendre visible l'invisible. L'« aura » de chaque objet naissait d'une relation étroite entre le fond et la forme, où le format s'adaptait au sujet, les matériaux étaient soigneusement choisis pour traduire un message, et l'impression exploitait les techniques les plus avancées du moment. Il s'agissait de repousser sans cesser les limites du possible.

Le fil rouge qui traverse l'héritage d'Hultén est celui d'un anarchisme joyeux, ironique, libre, profondément inventif et utopique. Inspiré du dadaïsme, il voyait l'art comme une critique du réel. À travers sa production, il tissait en filigrane un réseau de signes, une constellation de questions défiant les conventions." (NDM)

 

Exposition jusqu'au 21 septembre 2025

**** A PIU VOCI

 

"L’exposition se caractérise par la diversité des pratiques artistiques représentées, de la littérature à la création sonore en passant par la sculpture, la restauration du patrimoine, l’architecture, la photographie et la vidéo. Parmi la pluralité des projets émergent des thèmes récurrents : le monde végétal, le corps et ses transformations, les formes de résistance, la dialectique entre extérieur et intérieur, sans oublier la figure de Rome, ville réelle et fantasmée.

Durant leur année à Rome, les pensionnaires sont amenés à vivre la résidence comme un laboratoire d’expérimentation, offrant la possibilité de déployer des recherches au long cours, d’emprunter des voies nouvelles, de se laisser surprendre et entraîner par ce que produit la rencontre avec d’autres pratiques artistiques et d’autres géographies. L’exposition est le prolongement de cette expérience. Elle est aussi l’occasion d’interroger la mise en forme de projets qui échappent aux catégories conventionnelles d’exposition. Comment matérialiser une recherche en cours ? Comment articuler arts plastiques et arts vivants ? 

Dans le cadre de l’exposition, un programme de médiation multilingue est proposé en collaboration avec la NABA, Nuova Accademia di Belle Arti, réalisé par les étudiants du Biennio Specialistico en arts visuels et études curatoriales et du MA Visual Arts and Curatorial Studies du campus de Rome.

**** Miles Aldridge, Erwin Blumenfeld, Guy Bourdin, Juno Calypso, Walter Chandoha, Harold Edgerton, Hassan Hajjaj, Hiro, Ouka Leele, Yevonde Middleton, Arnold Odermatt, Ruth Ossai, Martin Parr, Pierre e Gilles, Alex Prager, Adrienne Raquel, Sandy Skoglund, Toiletpaper, William Wegman : « Chromothérapia ».

 

« Jaune citron, bleu saturé, rouge vif et orange soleil : la couleur comme thérapie, c’est le programme vitaminé de la nouvelle exposition de l’Académie de France à Rome – Villa Médicis, CHROMOTHERAPIA. La photographie couleur qui vous fait du bien. Présentée du 28 février au 9 juin 2025 sous le commissariat de Maurizio Cattelan et Sam Stourdzé, l’exposition invite à parcourir l’histoire de la photographie couleur tout au long du XXe siècle à travers le regard acidulé de 19 artistes. Le parcours composé en 7 chapitres nous entraîne dans des mondes vibrants et saturés où la couleur percute la rétine et engage l’esprit.

L’exposition en 7 chapitres

EARLY BIRDS : Erwin Blumenfeld, Harold Edgerton, Yevonde Middleton et Toiletpaper

COMME CHIEN ET CHAT : Walter Chandoha, William Wegman et Toiletpaper

PAPIER GLACÉ : Guy Bourdin, Hiro et Toiletpaper

FEMME FATALE : Adrienne Raquel, Miles Aldridge, Juno Calypso, Alex Prager et Toiletpaper

STRANGER THINGS : Arnold Odermatt, Sandy Skoglund

FOODORAMA : Martin Parr et Toiletpaper

MAKE A FACE : Hassan Hajjaj, Ouka Leele, Pierre et Gilles, Ruth Ossai et Toiletpaper

Toutes ces innovations du quotidien révèlent une image surréelle, hyperréelle, qu réinvente les genres - de la nature morte au portrait - donnant une image du monde joyeuse et colorée. Parmi les artistes de l’exposition, William Wegman (1943, Holyoke, USA) immortalise avec tendresse ses chiens, transformant ses compagnons à quatre pattes en icônes artistiques, Juno Calypso (1989, Londres, UK) détourne les conventions visuelles du cinéma et de la publicité pour interroger les injonctions sur la féminité, tandis qu’Arnold Odermatt (1925, Oberdorf – 2021, Stans, CH), policier-photographe, documente des accidents de la route dans des compositions minutieuses où la poésie se substitue au drame et Walter Chandoha (1920, Bayonne – 2019, Annandale, USA), surnommé « The Cat Photographer », révèle une qualité humaine chez les chats qu’il photographie sur fond saturé et transforme ces animaux de compagnie en icônes photographiques. Ouka Leele (1957-2022, Madrid), quant à elle, utilise les tons vibrants pour capturer la libération des corps dans le contexte de la révolution culturelle et sociétale de la Movida, et Martin Parr (1952, Epsom, UK), grand témoin de nos paradoxes contemporains, dirige son objectif sur des barquettes de frites suggérant avec ironie l’indigestion du monde moderne. Dans les années 2010, Toiletpaper, le magazine co-créé par Maurizio Cattelan (1960, Padoue, IT) et Pierpaolo Ferrari (1971, Milan), à la fois héritier et précurseur, digne descendant de ces artistes et transgresseur absolu, dialogue et parasite cette petite histoire flamboyante et chromatisée.

Qu’il s’agisse de magnifier les détails d’une scène quotidienne, de redéfinir les codes de beauté des magazines ou de capturer des sujets engagés, la photographie couleur offre une vision intensément chromatique du monde. Cette diversité de regards et de pratiques témoigne d’un fil conducteur : la volonté de donner à voir autrement, en insufflant aux images la vie et l’émotion que seule la couleur peut transmettre. (NDM)

 

Exposition du 28 février au 9 juin 2025.

**** RAOUL DUFY : Manifesto Expo : "Colourful symphony. Masterpieces from Edmond Henrard Collection"

 

"Passionné par l’œuvre de Raoul Dufy depuis plus de quarante ans, Edmond Henrard a constitué une collection désormais représentative de l’art de cet artiste phare du XXe siècle. Régulièrement enrichie de pièces nouvelles, la collection Henrard a déjà été exposée dans divers musées en France, aux Etats-Unis et au Japon.

 

Le commissaire de l’exposition, Eric Blanchegorge, actuellement directeur des Musées de Troyes, explore ici l’influence de la musique et de la mode sur les œuvres de Raoul Dufy, au début du XXe siècle. Une période dynamique où les domaines du design, de l’art et de la musique fusionnent pour la création d’une œuvre totale.

Imaginée en plusieurs chapitres, l’exposition présente la carrière composite de l’artiste à travers peintures, dessins et aquarelles inspirés de ses thèmes de prédilection : les paysages, les courses hippiques, les régates et la vie parisienne. L’exposition comprend aussi une importante sélection de pièces textiles (vêtements et accessoires) réalisées par Dufy pour - entres autres - le créateur français Paul Poiret, qui a révolutionné la scène de la haute couture à cette époque, et l’historique manufacture lyonnaise de soierie Bianchini-Férier.

Enfin, un chapitre est dédié aux « Grands Décors » qui présente un ensemble de dix lithographies originales gravées par Charles Sorlier, tirées de la fresque La Fée Electricité, complétée par l’artiste pour le Pavillon de l’Electricité et de la Lumière dans le cadre de l’Exposition internationale de 1937 à Paris, aujourd’hui conservée au Musée d’Art Moderne de Paris." (NDM)