" La Coopérative-Musée Cérès Franco vient de baisser le rideau, dimanche 30 octobre sur la saison 2022 et son 

exposition “Féminin Plurielles”. Une belle saison qui a été symboliquement close lors du chaleureux hommage rendu à Cérès Franco une semaine plus tôt. Nous remercions les amis, les artistes et la famille pour avoir participé à la réussite de ce moment, ainsi que l’Association pour la valorisation de la collection Cérès Franco.

L’exposition de la commissaire Michela Alessandrini clôt ainsi un cycle de huit années d'expositions, de conférences, de rencontres de personnalités du monde de l'art, de reportages et d’articles de presse et de dizaines de milliers de visiteurs et d'élèves de la région Occitanie dans le cadre de la médiation mise en place par le musée.

Depuis 2015, et son ouverture au public, La Coopérative-Musée Cérès Franco s’est installée dans le paysage culturel de Montolieu, Carcassonne Agglo, le Département de l’Aude et la Région Occitanie. Des liens forts ont été créés avec de nombreux autres lieux culturels, établissements scolaires et partenaires qui font aujourd’hui du musée, un acteur culturel majeur du territoire. Une structure qui a reçu aussi la reconnaissance de nombreux observateurs du monde de l’art, commissaires d’exposition comme Jean-Hubert Martin, artistes mais aussi journalistes spécialisés dans les journaux et magazines nationaux.

Une nouvelle ère s’ouvre ! Elle va débuter par plusieurs mois de travaux. Un projet porté par les collectivités (Région Occitanie, Département de l'Aude, Carcassonne Agglo et commune de Montolieu) réunies au sein du GIP. Le musée s'engage aussi dans une procédure afin d'obtenir le label Musée de France et l’équipe travaillera pour étudier, conserver et valoriser la collection et les archives ainsi que pour préparer la réouverture du nouveau musée.

Les travaux d'agrandissement et de rénovation visent à faire de ce lieu, ancienne cave coopérative datant de 1939 qui avait été transformée en galerie au début des années 2000, un véritable musée. Le cabinet Passelac & Roques, qui a été associé à RCR arquitectes pour le projet du musée Soulages à Rodez, a dessiné le nouveau musée Cérès Franco. Un projet ambitieux qui permettra de créer des réserves pour accueillir les 1651 œuvres ayant fait l'objet de la donation. L'espace d'exposition sera agrandi et seront aussi créés un espace de médiation – plus de 2000 enfants et jeunes sont accueillis chaque année dans le cadre de visites pédagogiques -, un lieu de documentation et d'archives mais aussi des nouveaux bureaux pour le personnel. Et bien sûr, les travaux permettront l'accès aux personnes en situation de handicap". (NDM)

**** SYLVAIN CORENTIN : Sculptures

"Né en 1962 à Montpellier, Sylvain Corentin est un artiste plasticien associé à l’art Outsider contemporain. Enfant introverti et solitaire grandissant dans un paysage de HLM, il se réfugie dans des mondes imaginaires, insoumis à la rigueur de son éducation, des lois mathématiques et des bâtiments dans lesquels il vit. Son espace pendant l’enfance est une feuille de papier et un crayon, lui offrant de quoi laisser libre cours à son imagination. Il s’ouvre plus tard à un travail de sculpture et d’assemblage hors du commun.

Le travail de Sylvain Corentin s'inscrit profondément dans le réel et sa matérialité pour construire des témoignages de mondes imaginaires. A la croisée de l'architecture et de la sculpture, ses œuvres sont constituées de matériaux hors d’usage variés qui nous sont familiers : papier, branches, paniers d'osier, coquillages, os, ustensiles... La nature demeure sa principale source d’inspiration et le théâtre dans lequel ses constructions doivent prendre vie. Sylvain

Corentin nous rappelle à travers son travail que l’humain et la nature ne font qu’un : « L’homme doit retrouver sa juste place dans la nature ».(NDM)

Exposition du 4 septembre au 29 décembre 2024. 

**** Cécile Bart & Ode Bertrand : "Dialogue avec la collection Albers-Honegger"

"L’eac. présente un nouveau cycle de relecture de sa collection permanente, et choisit de mettre à l'honneur deux artistes essentielles de la scène abstraite française : Cécile Bart et Ode Bertrand, qui, invitées en tandem de cette édition 2023, vont dialoguer non seulement entre elles mais également avec une sélection d'œuvres issues de la Donation Albers-Honegger, avec des artistes tels que : Bernard Aubertin, Marcelle Cahn, Antonio Calderara, Jean-François Dubreuil, Gottfried Honegger, Frantisek Kupka, Verena Loewensberg, Aurélie Nemours, Vera Molnar, François Morellet, David Rabinovitch...

Cécile Bart et Ode Bertrand expérimentent la notion de trame et de maillage en jouant avec l'œil du spectateur et également avec l'échelle même de leurs oeuvres, allant de l'infiniment petit pour l'une à la monumentalité pour l'autre. La question du rythme traverse également leurs démarches respectives. Intime du cercle de l'art concret, Cécile Bart a côtoyé depuis les années 80 le couple Albers-Honegger. Quant à Ode Bertrand, après une carrière dédiée à la danse, éclairée par la pratique de sa tante, Aurélie Nemours, qu'elle a assisté dans son travail, elle se consacre aussi à l'art abstrait géométrique"..(NDM)

**** CAMILLE CLAUDEL A L'ŒUVRE : SAKOUNTALA

" l’exposition « Camille Claudel à l’œuvre : Sakountala » propose d’entrer au cœur de la création de ce chef-d'œuvre à l’histoire très mouvementée. Rassemblant près de 100 objets, l’exposition revient sur le processus créatif de Sakountala, l’histoire de sa réception mais aussi sa source d’inspiration littéraire ou encore les nombreuses variations que Camille Claudel en a proposées à la fin de sa carrière. Bénéficiant de prêts exceptionnels du musée Rodin, de la Bibliothèque nationale de France et du musée d’Orsay, cette exposition a reçu le label « Exposition d'intérêt national » du ministère de la Culture.

Sakountala : élaboration, succès et polémique

En 1888, Camille Claudel n’a que 21 ans lorsqu’elle expose Sakountala, un couple d’amoureux inspiré de la littérature indienne. C’est cette œuvre qui la fait connaître du public et de la critique et la seule qui lui vaut une récompense au Salon au cours de sa carrière. Pourtant, elle n'obtient pas la commande de l'État qui lui aurait permis de tailler un marbre monumental. Camille Claudel donne alors le plâtre de Sakountala au musée de Châteauroux, en 1895. Au moment de son installation, le pied gauche de Douchanta est brisé. Puis, l’œuvre est décriée pour son caractère érotique, sa taille, sa massivité, sa fragilité ou encore sa patine par la bourgeoisie locale qui peine à apprécier son travail. L’œuvre se dégrade ensuite progressivement dans les réserves du musée. Elle n’en sort que dans les années 1980 à la suite de la redécouverte de l'artiste.

Du mythe hindou à la sculpture intemporelle

La Reconnaissance de Sakountala, drame écrit par le poète hindou Kâlidâsa, probablement au IVe ou au Ve siècle, raconte l'histoire du roi Douchanta qui rencontre Sakountala pendant une partie de chasse. Après avoir épousé Sakountala, Douchanta est victime d’une malédiction et l’oublie. Si ce mythe a rarement été traité en peinture ou en sculpture, il a fait l'objet de plusieurs traductions en français, d'un ballet et de pièces de théâtre. Dans l’exposition, maquette de décor, projets de costumes ou encore photographies offrent un aperçu du décorum mis en œuvre pour impressionner et dépayser les spectateurs lors de ces représentations. Les visiteurs sont invités à comparer les mises en scènes très marquées par l'orientalisme et la surenchère décorative avec le traitement du thème par Camille Claudel, dépouillé, sobre et hors du temps.

Les avatars de Sakountala

Ce n'est qu'en fin de carrière que Camille Claudel parvient à traduire Sakountala en matériau noble. En 1905, elle en sculpte une version réduite en marbre pour la comtesse de Maigret, sous le titre Vertumne et Pomone. Prêtée par le musée Rodin pour l’évènement, celle-ci témoigne de la virtuosité de la sculptrice et du degré de perfection qu'elle a atteint. Le bronze, édité par son fidèle soutien et ami Eugène Blot, est présenté la même année au Salon d’automne sous le titre L’Abandon. Dénuée de référence mythologique, cette appellation charge l’œuvre d’une dimension plus allégorique, tout en répondant aux besoins de sa commercialisation. L'année suivante, l'État commande à Camille Claudel une statue de femme dérivant de Sakountala. Désormais seule et blessée, elle est représentée en fille de Niobé succombant à une flèche décochée par Apollon ou Artémis". (NDM)

Exposition du 14 septembre 2024 au 12 janvier 2025.

**** LA FABULOSERIE : Génies insolites et artistes hors-les-normes.

Le Musée d’Art Moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole invite tous les publics à venir (re)découvrir ses expositions en cours, consacrées à Marcelle Cahn, Marc Camille Chaimowicz ou encore aux collections avec l’accrochage The House of Dust.

Pendant 35 ans, les centrales de traitement d’air du bâtiment ont maintenu le climat assurant la bonne conservation des œuvres. Pendant 35 ans, les murs et cimaises ont été peints, percés, colmatés, repeints des centaines de fois pour présenter au public près de 400 expositions. Pendant 35 ans, plus de deux millions de visiteurs ont arpenté les 3000 m² de salles d’expositions. Première étape de l’avenir ambitieux du MAMC+, les sols, les cimaises et les centrales climatiques du bâtiment signé Didier Guichard, doivent aujourd’hui être réhabilités ou remplacés.

Alors que, dans les murs, les ouvriers s’affaireront pour donner une nouvelle jeunesse aux salles d’exposition, l’équipe du MAMC+ fera vivre l’équipement hors de ses murs. Une offre de médiation nomade sera ouverte à tous les publics habituellement accueillis au musée : scolaires, étudiants, seniors, personnes hospitalisées… Chaque action de médiation permettra d’activer des œuvres de la collection avec pour objectif d’intervenir dans les 53 communes de la métropole.

Les visiteurs retrouveront également le musée sur le site de la Cité du Design dans le bâtiment de la Platine. Le temps des travaux, cette installation éphémère permettra au MAMC+ de maintenir une programmation artistique et culturelle et de redéployer sa librairie.

À la réouverture, prévue au printemps 2024, les visiteurs bénéficieront d’une meilleure circulation dans les salles reconfigurées et retrouveront une œuvre, cachée depuis longtemps aux yeux du public, d’un certain Jean-Pierre Raynaud…" (NDM)

**** 60 ANS ! 

" Première fondation d’art moderne et contemporain en France, la Fondation Maeght fêtera son soixantenaire à l’été 2024. Créée en 1964 par le couple de marchands d’art, éditeurs et lithographes Marguerite et Aimé Maeght, elle fut inaugurée par André Malraux et immédiatement reconnue d’utilité publique. Cet anniversaire sera marqué par une grande exposition estivale « Amitiés, Bonnard-Matisse », l’inauguration de nouvelles salles d’exposition consacrées cette année à la collection permanente et un mois de célébrations composé de concerts, représentations de danse, projections de films, lectures...

En 60 ans et plus de 150 expositions de grands artistes du XXe et XXIe siècles, la Fondation Maeght a fortement marqué l’histoire et la diffusion de l’art par son regard si particulier. Ce prisme de l’amitié qui unit la famille Maeght, la Fondation et les artistes, permet en effet de raconter l’art loin des traditionnelles approches livresques : l’art et la vie en permanence liés, d’expositions en Nuits de la Fondation (danse, théâtre, musique...), en pique-niques, grandes tablées et sorties en bateau... Mais n’est-ce pas les artistes eux-mêmes qui avaient poussé le couple Maeght à dépasser la douleur de la perte de leur deuxième fils par un long voyage aux États-Unis dans les années 1950 ? Puis par la création de la Fondation inspirée des grandes références américaines alors visitées ? Barnes, Guggenheim, Phillips... En 60 ans et plus de 150 expositions de grands artistes du XXe et XXIe siècles, la Fondation Maeght a fortement marqué l’histoire et la diffusion de l’art par son regard si particulier. Ce prisme de l’amitié qui unit la famille Maeght, la Fondation et les artistes, permet en effet de raconter l’art loin des traditionnelles approches livresques : l’art et la vie en permanence liés, d’expositions en Nuits de la Fondation (danse, théâtre, musique...), en pique-niques, grandes tablées et sorties en bateau... Mais n’est-ce pas les artistes eux-mêmes qui avaient poussé le couple Maeght à dépasser la douleur de la perte de leur deuxième fils par un long voyage aux États-Unis dans les années 1950 ? Puis par la création de la Fondation inspirée des grandes références américaines alors visitées ? Barnes, Guggenheim, Phillips...

Pour célébrer cet anniversaire, la Fondation Maeght présente une exposition imaginée pour l’occasion « Amitiés, Bonnard-Matisse pour les 60 ans de la Fondation Maeght ». Du 29 juin au 6 octobre, l’exposition met l’accent sur la relation amicale et respectueuse entre Pierre Bonnard et Henri Matisse et retrace leurs liens avec la famille Maeght pour qui les deux artistes-amis incarnaient deux génies du XXe siècle, tout en partageant avec eux les grands – et plus anodins – moments de la vie.

Différentes thématiques cernent le propos avec de nombreuses œuvres et documents rares, prêts exceptionnels accordés pour l’occasion. L’exposition explore les caractères spécifiques des deux maîtres mais aussi, par effet miroir, les particularités de chacun dans leur approche de mêmes sujets : les autoportraits, la rue, la lumière du Midi, le peintre et son modèle...

Cet été, la Fondation Maeght inaugure également les nouveaux espaces réalisés en 2023 et 2024, avec l’accrochage d’une sélection d’œuvres emblématiques de sa collection. L’architecte Silvio d’Ascia, invité à concevoir cette extension, a imaginé quatre nouvelles salles dont deux offrent une vue unique sur la vallée par de larges baies vitrées, sous la Cour Giacometti et la Courette Miró. La Fondation Maeght pourra dorénavant proposer de manière concomitante une exposition temporaire, thématique ou monographique, et un accrochage de sa collection permanente dans des espaces dédiés. Cette extension du bâtiment a été conçue dans le plus grand respect du site arboré et du bâtiment historique de Josep Lluís Sert.

La Fondation, dont l’histoire nous rappelle que toutes les disciplines artistiques se croisent, prévoit enfin un mois de célébrations de son soixantenaire, de fin juin jusqu’au 28 juillet, date anniversaire de son inauguration en 1964 qui fut marquée par un concert mémorable : Ella Fitzgerald et Yves Montant. En 2024, la Fondation Maeght programme à nouveau de la danse, des concerts, des lectures, des films documentaires sur Bonnard et Matisse, des conférences, des ateliers pour enfants... (NDM)

**** EXPOSITION COLLECTIVE "MYTHOLOGIES, D'ACHILLE A BATMAN :

Un parcours d'Art contemporain dans la ville.

" la ville de Saint-Raphaël invite le public à un voyage initiatique aux confins de l’imagination avec l’exposition MythologieS. Du sommet du Mont Olympe aux ruelles sombres de Gotham City, MythologieS explore ces récits épiques qui attisent l’imaginaire collectif depuis la nuit des temps. Composée d’une centaine de peintures, sculptures, dessins et autres installations, cette exposition est à découvrir dans trois lieux symboliques de la Ville : le Centre culturel, le Musée archéologique et le Jardin Bonaparte.

MythologieS s’inscrit dans la continuité de l’exposition monumentale ExodeS, présentée à Saint-Raphaël durant l’été 2022. Cette année, la Ville fait de nouveau appel à Simone Dibo-Cohen, présidente de l’Union Méditerranéenne pour l’Art Moderne (UMAM), pour l’organisation de cette exposition multidisciplinaire. Ville pétrie d’histoire et de culture, Saint-Raphaël se transforme durant quatre mois en un carrefour de réflexions et de productions artistiques.

Plus de 40 artistes de tous horizons se sont en effet emparés de ce thème central dans l’histoire de l’art moderne. Leurs œuvres, aux inspirations iconographiques et aux matériaux divers, sont essaimées dans différents lieux : des sculptures monumentales habillent le Jardin Bonaparte, des photographies, des toiles et des dessins parent les murs de la salle d’exposition Raphaël, tandis que des vestiges du passé et des créations contemporaines s’entremêlent au cœur du Musée archéologique.

Liberté d’expression, éclectisme et singularité : tels sont les maîtres-mots de cette exposition accessible aux néophytes comme aux amateurs d’art les plus chevronnés. Dans la lignée de la réflexion de Roland Barthes dans son ouvrage Mythologies, cette manifestation est une invitation à réfléchir aux narrations qui nous entourent de toutes parts, à en gratter le fard pour en dévoiler les profondeurs parfois obscures.

MythologieS fait cheminer, au gré des envies et des étonnements, sur un parcours qui transcende toutes les frontières temporelles, spatiales, culturelles et artistiques. Miroir des aspirations, des peurs et des rêves des êtres humains, cette exposition rappelle le rôle essentiel des mythologies dans la construction des identités, des valeurs et des sociétés. Elle est une ode à la curiosité et à la réflexion, invitant chacun à se plonger dans les méandres de sa propre imagination.

« MythologieS, d’Achille à Batman s'attache à explorer l'écho intemporel des mythes dans notre société actuelle, s'inspirant des « métamorphoses » de Carl Gustav Jung pour qui les mythes éclairent nos rêves et dictent nos conduites inconscientes. En tissant des liens entre des figures mythologiques comme Achille, Aphrodite, Hercule, David et Goliath, et des héros actuels comme Batman ou Superman, l’exposition se fait le miroir de notre humanité. Elle nous convie à une réflexion sur la manière dont les mythes façonnent notre compréhension d’un monde moderne régi par la publicité, les réseaux sociaux et les fake-news. Elle enrichit, grâce à l’art contemporain, notre perception entre le réel et l’imaginaire. » Frédéric Masquelier

Exposition jusqu'au 12 octobre 2024.

**** THIERRY LEFORT : "California"

"Thierry Lefort, la peinture et son ombre.

Sont exposées pour la première fois les encres réalisées à Los Angeles l'hiver dernier.

Elles sont accompagnées de peintures emblématiques de son œuvre où les palmiers et la jungle urbaine font écho aux buildings et aux poteaux électriques si caractéristiques de la Californie.

Hermétique aux modes et aux tendances de l’art, Thierry Lefort poursuit avec une rare fidélité une certaine idée de la peinture, celle qui poussait, déjà, Cézanne à revenir inlassablement au motif avec l’obstination du moine concentrant son regard vers le dieu unique. En fervent admirateur du maître d’Aix, Thierry Lefort perpétue le geste de sortir la peinture de l’atelier. Ne la fait-il pas descendre dans la rue, en puisant le matériau de ses futures toiles in situ au sein des espaces urbains de Paris ou de Los Angeles ?

Ne confère-t-il pas ainsi une dignité esthétique à des lieux aussi anodins qu’un parking, une gare de triage, une friche industrielle ou un simple coin de rue ? N’apporte-t-il pas un soin tout particulier à des motifs plastiques généralement minorés, comme ces ombres portées qui finissent par envahir la surface de la toile ? Souvent surchargés de détails en apparence inutiles, à l’instar de l’écheveau de lignes téléphonique, de poteaux, et de poutrelles que le peintre s’évertue à détailler avec la patience d’un Morandi cernant le contour d’une carafe, les tableaux de Thierry Lefort semblent délivrer une métaphysique de ces objets urbains insignifiants. Les poteaux électriques d’une place de San Francisco prennent même, parfois, l’allure d’un tripalium pour de futures crucifixions…Sans doute, l’absence de personnage contribue-t-elle à donner une consistance plastique insolite à ces rues désertes que l’artiste s’évertue à priver de toute narration". Philippe Godin

Vernissage le 17 juin à 17h.

**** NOUVEL ACCROCHAGE : 

Exposition novembre 2023.

**** Liliana Porter, le jeu de la réalité. Des années 1960 à aujourd’hui.

Première rétrospective en France, mêlant des travaux historiques et récents, à travers un corpus d’une centaine d’œuvres…

"Liliana Porter explore différents médiums, gravure, peinture, sculpture, photographie, vidéo dans lesquels s’inscrit une recherche au long cours sur la perception de la réalité et les notions de temps et d’espace. Sa pratique de la gravure, qu’elle contribue à renouveler dès les années 1960 avec la création du New York Graphic Workshop, est au cœur de son travail. Cette technique redécouverte par les artistes du Pop Art et plébiscité en Amérique latine et du sud pour sa dimension politique, lui permet de porter un regard critique sur la notion d’auteur et de travail collectif, et d’offrir de nouvelles formes de narration. À partir des années 1970 elle se met à la photographie et intègre des images de son propre corps à des dessins notamment muraux, en écho aux préoccupations des artistes féministes de cette époque. La première partie de l’exposition retrace ce parcours tout en proposant une relecture du contexte historique, artistique et social de cette période, à l’aune de l’engagement de Liliana Porter et de la communauté d’artistes dans laquelle elle évolue. La seconde partie de l’exposition présente ses installations, dont deux produites spécialement pour les Abattoirs. Présentes dans son art depuis une vingtaine d'années, ces saynètes sont réalisées à partir de figurines populaires et d'objets du folklore contemporain glanés dans les marchés aux puces et au cours de ses voyages, qui se déclinent aussi en peintures et en vidéos. Poursuivant son exploration poétique du réel, Liliana Porter bouscule les codes de la représentation et remet sans cesse en question les processus de création et le pouvoir surréaliste de l’image." (NDM)

**** Tabita Rezaire. Fusion élémen.terre

Première exposition personnelle en France pour découvrir un ensemble d’œuvres inspirées des cultures mégalithiques (Monument préhistorique formé d'un ou de plusieurs blocs de pierre) sénégambiennes et du Brésil.

Les Abattoirs présentent la première rétrospective en France de l’artiste Liliana Porter (née en Argentine en 1941, résidant à New-York depuis 1964). À travers une centaine d’œuvres, l’exposition est conçue comme une traversée de son art. Mêlant œuvres historiques et travaux récents, elle met en évidence une nouvelle généalogie d’artistes femmes qui ont redéfini les limites de l’art conceptuel et ont transformé la poesié de l'installation.

Liliana Porter explore différents médiums, gravure, peinture, sculpture, photographie, vidéo dans lesquels s’inscrit une recherche au long cours sur la perception de la réalité et les notions de temps et d’espace. Sa pratique de la gravure, qu’elle contribue à renouveler dès les années 1960 avec la création du New York Graphic Workshop, est au cœur de son travail. Cette technique redécouverte par les artistes du Pop Art et plébiscité en Amérique latine et du sud pour sa dimension politique, lui permet de porter un regard critique sur la notion d’auteur et de travail collectif, et d’offrir de nouvelles formes de narration. À partir des années 1970 elle se met à la photographie et intègre des images de son propre corps à des dessins notamment muraux, en écho aux préoccupations des artistes féministes de cette époque. La première partie de l’exposition retrace ce parcours tout en proposant une relecture du contexte historique, artistique et social de cette période, à l’aune de l’engagement de Liliana Porter et de la communauté d’artistes dans laquelle elle évolue. La seconde partie de l’exposition présente ses installations, dont deux produites spécialement pour les Abattoirs. Présentes dans son art depuis une vingtaine d'années, ces saynètes sont réalisées à partir de figurines populaires et d'objets du folklore contemporain glanés dans les marchés aux puces et au cours

de ses voyages, qui se déclinent aussi en peintures et en vidéos. Poursuivant son exploration poétique du réel, Liliana Porter bouscule les codes de la représentation et remet sans cesse en question les processus de création et le pouvoir surréaliste de l’image.

Pour sa première exposition monographique en France, l’artiste Tabita Rezaire (née en 1989, vit et travaille en Guyane, France) présente un ensemble d’œuvres à la croisée des nouvelles technologies et des rituels ancestraux. À la fois artiste, agricultrice, professeure de yoga, doula (personne accompagnant les femmes enceintes), Tabita Rezaire propose de faire l’intercesseur entre nous et d’autres voies d’accès au monde. À travers ses installations vidéo, elle réinvente les technologies contemporaines à l’aune des sciences ancestrales pour repenser notre relation au cosmos, en réinvestissant la mémoire corporelle, séculaire comme digitale.

À l’heure du post-Internet elle imagine de nouvelles technologies du lien en invoquant les éléments naturels que sont l’eau, l’air et la terre nourricière, ainsi que les arts de la guérison. Dans ses œuvres, elle apparaît comme une incarnation digitale d’un être cosmique jouant des codes d’Internet et combinant des réalités numérique, corporelle, scientifique et spirituelle à des savoirs traditionnels dans un contexte postcolonial. Parmi ses projets récents, elle a créé le site d’AMAKABA dans la forêt amazonienne en Guyane, conçu comme un espace pluriel où les énergies de la terre (à travers la culture du cacao), du corps (avec les doula et le yoga) et du ciel (observatoire astronomique) fusionnent et donnent naissance à de nouveaux scénarios d'être-au-monde. L’exposition est ainsi pensée comme un voyage multidimensionnel où chaque installation devient un portail par lequel chacun et chacune est invité à restaurer une connexion à l’Univers. (NDM)

**** CATHARES : Toulouse dans la croisade. 

Vernissage le vendredi 5 avril à 18h30.

Exposition du 5 avril 2024 au 5 janvier 2025.

**** PANORAMA 26 : 

« Nous, les humains, sommes capables d’inventer des technologies qui à leur tour nous réinventent. À l’aide de différentes technologies transdisciplinaires, des plus traditionnelles aux plus virtuelles et cybernétiques, l’exposition PANORAMA 26 explore de manière critique les conditions dans lesquelles les limites, les expansions et les fissures de cette nouvelle réalité élargie façonnent l’esprit du récit contemporain. Dès l’apparition des machines autonomes lors de la révolution industrielle, jusqu’aux réseaux sociaux et à l’intelligence artificielle d’aujourd’hui, notre expérience du monde se trouve confrontée, d’une part, à une expansion illimitée et diffuse du réel et, d’autre part —paradoxalement —, à la fragmentation et au rétrécissement des sources de la connaissance.

À travers des assemblages, des expérimentations, des recontextualisations, des téléchargements, des appropriations, issus de la musique, du cinéma, de l’architecture, de la science ou des arts plastiques, cette exposition rassemble les travaux de recherche de plus de 50 artistes conscients que l’art, la science et la pratique artistique, sont des alliés indispensables pour décrypter de manière critique, poétique et transformatrice notre expérience de la réalité réinventée par la technologie. 

De l’exploration des politiques de contrôle et de pouvoir sur l’organique et l’inorganique (avec leurs promesses et leurs consolations), à l’éveil de certains états de conscience et de spiritualité, en passant par la subversion de l’espace public et les politiques de l’intimité, l’exposition PANORAMA 26 confirme qu’aujourd’hui plus que jamais toute ressemblance avec la réalité n’est pas une pure coïncidence dans la pratique artistique contemporaine. Marta Gili Direction artistique de PANORAMA 26

Exposition du 20 septembre 2024 au 5 janvier 2025

**** JULIEN MAGRE : "En vie" et ARINA ESSIPOWITSCH "Déplier l'image

Vernissage le jeudi 22 juin à 18h.

**** BRICE LASO : "Décoller-Atterrir"