" La Coopérative-Musée Cérès Franco vient de baisser le rideau, dimanche 30 octobre sur la saison 2022 et son 

exposition “Féminin Plurielles”. Une belle saison qui a été symboliquement close lors du chaleureux hommage rendu à Cérès Franco une semaine plus tôt. Nous remercions les amis, les artistes et la famille pour avoir participé à la réussite de ce moment, ainsi que l’Association pour la valorisation de la collection Cérès Franco.

L’exposition de la commissaire Michela Alessandrini clôt ainsi un cycle de huit années d'expositions, de conférences, de rencontres de personnalités du monde de l'art, de reportages et d’articles de presse et de dizaines de milliers de visiteurs et d'élèves de la région Occitanie dans le cadre de la médiation mise en place par le musée.

Depuis 2015, et son ouverture au public, La Coopérative-Musée Cérès Franco s’est installée dans le paysage culturel de Montolieu, Carcassonne Agglo, le Département de l’Aude et la Région Occitanie. Des liens forts ont été créés avec de nombreux autres lieux culturels, établissements scolaires et partenaires qui font aujourd’hui du musée, un acteur culturel majeur du territoire. Une structure qui a reçu aussi la reconnaissance de nombreux observateurs du monde de l’art, commissaires d’exposition comme Jean-Hubert Martin, artistes mais aussi journalistes spécialisés dans les journaux et magazines nationaux.

Une nouvelle ère s’ouvre ! Elle va débuter par plusieurs mois de travaux. Un projet porté par les collectivités (Région Occitanie, Département de l'Aude, Carcassonne Agglo et commune de Montolieu) réunies au sein du GIP. Le musée s'engage aussi dans une procédure afin d'obtenir le label Musée de France et l’équipe travaillera pour étudier, conserver et valoriser la collection et les archives ainsi que pour préparer la réouverture du nouveau musée.

Les travaux d'agrandissement et de rénovation visent à faire de ce lieu, ancienne cave coopérative datant de 1939 qui avait été transformée en galerie au début des années 2000, un véritable musée. Le cabinet Passelac & Roques, qui a été associé à RCR arquitectes pour le projet du musée Soulages à Rodez, a dessiné le nouveau musée Cérès Franco. Un projet ambitieux qui permettra de créer des réserves pour accueillir les 1651 œuvres ayant fait l'objet de la donation. L'espace d'exposition sera agrandi et seront aussi créés un espace de médiation – plus de 2000 enfants et jeunes sont accueillis chaque année dans le cadre de visites pédagogiques -, un lieu de documentation et d'archives mais aussi des nouveaux bureaux pour le personnel. Et bien sûr, les travaux permettront l'accès aux personnes en situation de handicap". (NDM)

**** KASHINATH CHAWAN : Peintures

« Kashinath Chawan (c.1950) est né à Pune, deuxième ville de l’état du Maharashtra, située à 90 km de Bombay (Inde). Il appartient à la caste des cordonniers depuis plusieurs générations. Son grand-père, son père ont exercé ce métier et lui-mêmecontinue cette activité depuis l’âge de quinze ans. Chaque jour, il quitte son bidonville situé à une heure du centre de la ville et serend, par tous les temps, sur son lieu de travail, un trottoir d’une des rues commerciales. Il commence sa journée par brûlerquelques bâtons d’encens en geste d’offrande, devant le petit autel qu’il a fabriqué, accroché à un arbre et dédié à « Ganesh ». Ilinstalle sa petite échoppe de cordonnier « cireur de chaussures » et attend patiemment ses clients. Puis aux heures calmes de la journée, il profite de son temps et dessine sur des morceaux de cartons, papiers usagés qu’il trouve par terre.

Tous ses dessins sont exécutés au stylo bille de couleur etreprésentent principalement des divinités hindoues Shiva, Ganesh... mais aussi des personnages politiques ou des stars de Bollywood. Le créateur ne se livre à aucun croquis ou dessin préparatoire. Les premiers tracés sont légers et imprécis. Le procédé que Chawan met en œuvre consiste à répéter de petits traits par à-coups successifs qui se superposent, créant ainsi progressivement une ligne qui s’intensifie, trouve une stabilité et prend un essor cursif. A l’aide d’un simple stylo à bille, Chawan invente un système technique qui permet des jeux graphiques, de subtils clairs-obscurs, des effets de modelé, des rendus de matières, conférant douceur et mystère à sa production.

Aujourd’hui Kashinath Chawan est reconnu comme un créateur d’art brut et ses dessins, très recherchés par les collectionneurs, sont visibles dans les grands musées d’art brut et singulier du monde. (NDM)

**** Cécile Bart & Ode Bertrand : "Dialogue avec la collection Albers-Honegger"

"L’eac. présente un nouveau cycle de relecture de sa collection permanente, et choisit de mettre à l'honneur deux artistes essentielles de la scène abstraite française : Cécile Bart et Ode Bertrand, qui, invitées en tandem de cette édition 2023, vont dialoguer non seulement entre elles mais également avec une sélection d'œuvres issues de la Donation Albers-Honegger, avec des artistes tels que : Bernard Aubertin, Marcelle Cahn, Antonio Calderara, Jean-François Dubreuil, Gottfried Honegger, Frantisek Kupka, Verena Loewensberg, Aurélie Nemours, Vera Molnar, François Morellet, David Rabinovitch...

Cécile Bart et Ode Bertrand expérimentent la notion de trame et de maillage en jouant avec l'œil du spectateur et également avec l'échelle même de leurs oeuvres, allant de l'infiniment petit pour l'une à la monumentalité pour l'autre. La question du rythme traverse également leurs démarches respectives. Intime du cercle de l'art concret, Cécile Bart a côtoyé depuis les années 80 le couple Albers-Honegger. Quant à Ode Bertrand, après une carrière dédiée à la danse, éclairée par la pratique de sa tante, Aurélie Nemours, qu'elle a assisté dans son travail, elle se consacre aussi à l'art abstrait géométrique"..(NDM)

**** LA FABULOSERIE : Génies insolites et artistes hors-les-normes.

**** Aysha E Arar et Aysha E Arar

« Aysha E Arar

Née en 1993, Aysha E Arar est peintre, dessinatrice, poétesse, vidéaste et performeuse. L’artiste convoque contes et légendes du monde palestinien qu’elle se réapproprie pour produire une œuvre intime et puissante véhiculant des idéaux de liberté et de tolérance.  

Pour sa première exposition muséale, l’artiste présente au 1er étage du musée un ensemble d’œuvres récentes ainsi qu'une nouvelle peinture monumentale produite pour l’occasion.

Jenna Kaës. Fadets

Née en 1987, Jenna Kaës est designeuse. Elle présente au rez-de-chaussée du musée quatre sculptures en cuir et verre produites en 2024 dans le cadre d’une résidence d’artiste de la Fondation d'entreprise Hermès à la maroquinerie de la Tardoire à Montbron (Charente).  

Influencée par l’esprit du château et l’imaginaire qu’il convoque, l'artiste a réalisé des œuvres empreintes d’une inquiétante féérie liée à une créature folklorique, le fadet. (NDM)

Exposition du 1er mars au 8 juin 2025

**** Dan Casado M D A Patrice Demongeot Jean-Pierre Faurie Agnan Kroichvili François Géhan Bruno Guiard Agnieszka Sekita Julia Sisi

Le Musée d’Art Moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole invite tous les publics à venir (re)découvrir ses expositions en cours, consacrées à Marcelle Cahn, Marc Camille Chaimowicz ou encore aux collections avec l’accrochage The House of Dust.

Pendant 35 ans, les centrales de traitement d’air du bâtiment ont maintenu le climat assurant la bonne conservation des œuvres. Pendant 35 ans, les murs et cimaises ont été peints, percés, colmatés, repeints des centaines de fois pour présenter au public près de 400 expositions. Pendant 35 ans, plus de deux millions de visiteurs ont arpenté les 3000 m² de salles d’expositions. Première étape de l’avenir ambitieux du MAMC+, les sols, les cimaises et les centrales climatiques du bâtiment signé Didier Guichard, doivent aujourd’hui être réhabilités ou remplacés.

Alors que, dans les murs, les ouvriers s’affaireront pour donner une nouvelle jeunesse aux salles d’exposition, l’équipe du MAMC+ fera vivre l’équipement hors de ses murs. Une offre de médiation nomade sera ouverte à tous les publics habituellement accueillis au musée : scolaires, étudiants, seniors, personnes hospitalisées… Chaque action de médiation permettra d’activer des œuvres de la collection avec pour objectif d’intervenir dans les 53 communes de la métropole.

Les visiteurs retrouveront également le musée sur le site de la Cité du Design dans le bâtiment de la Platine. Le temps des travaux, cette installation éphémère permettra au MAMC+ de maintenir une programmation artistique et culturelle et de redéployer sa librairie.

À la réouverture, prévue au printemps 2024, les visiteurs bénéficieront d’une meilleure circulation dans les salles reconfigurées et retrouveront une œuvre, cachée depuis longtemps aux yeux du public, d’un certain Jean-Pierre Raynaud…" (NDM)

**** Christophe Hohler, Raymond E. Waydelich : « Anonyme – Célèbre »

« L'exposition présente non seulement les grands tableaux de Christophe Hohler représentant des hommes, sa marque de fabrique depuis des décennies, mais aussi une facette moins connue de l'artiste : ses peintures de fleurs et d'arbres, une réminiscence de son enfance dans le Sundgau alsacien. D'autres univers thématiques sont les bateaux/la pêche et la musique, qui ont également inspiré Raymond E. Waydelich.

Le premier univers est illustré par des peintures à l'acrylique, à l'huile et aux pigments, ainsi que par des sculptures en fonte et en terre cuite de Hohler, et par des œuvres mixtes de Waydelich. La musique joue depuis toujours un rôle important dans la vie de Christophe Hohler ; enfant, il jouait du piano et de l'orgue. Pendant les performances, il peint des empreintes de cordes de piano sur un piano à queue sans couvercle ou improvise sur de la musique classique. Raymond E. Waydelich, quant à lui, est fasciné depuis le début par l'invention du disque et le développement du support audio.

L'exposition avec plus de cent-dix œuvres retrace son parcours en remontant le temps : à partir de ses dernières œuvres semble accorder la précellence à la forme parce que s'y cristallise en des achèvements somptueux l'opéra de sa vie de peintre, son histoire, ses histoires, vers les travaux de ses débuts où se mettent en place les caractéristiques que l'on a retenues de son art porte à la fin des années 60 à cette abstraction absolue qu'il recherchait. Nous n'avons que fait allusion, de préférence, aux œuvres surprenantes des années 70 et 80 qui ont fait l'objet de présentations récentes.

Une importante sélection d'œuvres ultimes, des années 90, dont l'exposition propose des exemples majeurs, ouvre l'exposition. Dans ces achèvements, tout s'ordonne, sublimé, dans l'enclos du tableau. Les expériences les plus innovantes, les ruptures formelles, les allers et lieux d'un médium à l'autre, de la peinture à la gravure, du dessin à la sculpture, du happening et du spectacle à la poésie, les oscillations entre l'éphémère et ce qui « gèle » le temps dans l'intemporalité de l'œuvre, tout se « stoppe » dans chaque tableau de cet instant ultime.

La Fondation Fernet-Branca expose de nombreuses œuvres de jeunesse de Raymond E. Waydelich, dont plus de trente boîtes reliquaires racontant la vie de Lydia Jacob et de sa parenté imaginaire. Ses travaux sur « L'archéologie du futur » ainsi que le traitement artistique de voyages à Antibes, en Crète, au Canada ou en Namibie (céramiques, dessins, gravures, aquagravures) témoignent de la diversité de l'artiste mixte strasbourgeois. Au début des années 2000, Waydelich se lance dans des reproductions d'anciens maîtres, créant ainsi ce qu'il appelle ses « Peintures mémoires ». À Saint-Louis sont notamment expose deux variations de « L'Angelus » de Jean-François Millet, tableau modernisé par Waydelich avec des oiseaux, un avion, une moto et des choux. Elles répondent à un triptyque consacré en 2024 par Christophe Hohler. » (NDM)

Exposition jusqu’au 31 août 2025

**** HELENE DELPRAT : « Ecoutez, c’est l’éclipse »

«  la Fondation Maeght présente une exposition monographique d'Hélène Delprat conçue spécifiquement pour les salles en rez-de-jardin du bâtiment historique. L’histoire et l’histoire de l’art - dont certains artistes phares de la Fondation Maeght - infusent secrètement l’œuvre d’Hélène Delprat, figure majeure de la scène artistique contemporaine. Ses œuvres côtoient celles de ces grands maîtres depuis de nombreuses années au sein de la collection de la Fondation Maeght. 

Après une année exceptionnelle de célébration du soixantenaire de la Fondation Maeght qui a vu sa fréquentation augmentée de près de 46% (en 2024, 190 000 visiteurs sont venus découvrir l’exposition anniversaire « Amitiés, Bonnard-Matisse » comme la nouvelle extension du bâtiment), la programmation 2025 de la Fondation Maeght est placée sous le signe des femmes : femmes artistes et commissaires d’expositions. Au printemps, c’est Hélène Delprat qui sera mise à l’honneur sous le commissariat de Laurence Bertrand Dorléac. Cet été, la Fondation Maeght mettra en lumière Barbara Hepworth, sous le commissariat d’Eleanor Clayton.

L’exposition « Écoutez, c’est l’éclipse »,  explore le monde d’Hélène Delprat dont l’histoire originale croise celle de la Fondation Maeght. À 16 ans, elle y découvre Giacometti et Le Musée imaginaire de Malraux qui l’impressionnent au point de s’en souvenir encore aujourd’hui dans son accrochage actuel.

Le titre poétique de l’exposition est emprunté à Alfred Jarry et annonce la couleur : «Écoutez, c’est l’éclipse». Le meilleur de l’histoire personnelle et commune d’Hélène Delprat nous est offert à travers un parcours de plus de soixante œuvres qui retrace une aventure singulière : elle a souvent préféré les chemins buissonniers plutôt que la voie royale assurée, dès sa sortie de l’École des Beaux-Arts, par son séjour à la Villa Médicis et son entrée à la prestigieuse Galerie Maeght. Ayant toujours aimé se compliquer la vie en brisant tout ce qui allait de soi, elle fuira le succès. Elle s’éclipsera sans jamais cesser de peindre tout en se plaignant amèrement de la difficulté d’y arriver. Dans sa colère joyeuse, en trouvant presque tout affreux, elle s’amuse d’un rien et réinterprète tout ce qu’elle aime profondément en art, en littérature mais aussi au cinéma ou dans la vie quotidienne : dans les médias, au café, à l’hôtel, en promenade. Tout ce qu’elle peint, filme, sculpte ou tisse lui tient lieu de journal de ses jours et de ses nuits.

Son art est autant hanté par les fantômes de l’histoire (de la guerre en particulier) et de l’histoire de l’art (de Piero della Francesca à William Hogarth, de Ad Reinhardt à Paul McCarthy...) que par les images populaires et familières. Elle est ainsi avide d’images de presse, de la Gazette Drouot, de bandes dessinées d’hier et d’aujourd’hui. Elle n’a de cesse d’imprimer, de photocopier, de classer... Quant aux épisodes traumatisants de sa vie, elle préfère leur donner la forme cryptée d’un rébus. Sa propension à tourner le pire en dérision rend son art d’autant plus vivant, truculent, drôle et archi-émouvant. Plus de soixante peintures (dont de très grands formats), dessins, sculptures, films, photographies et céramiques seront répartis en huit séquences. Deux sculptures originales imaginées et réalisées pour les bassins de la Fondation Maeght donnent le diapason dès l’entrée. » (NDM)

Exposition du 22 mars au 9 juin 2025.

**** ANDRE ASTIER : « Un photographe et des artistes »

« La Fondation Maeght est heureuse d’annoncer que l’une des salles de son extension, inaugurée en juin 2024 pour son soixantenaire, sera dorénavant dédiée régulièrement à la photographie. Elle confirme ainsi sa volonté fondatrice de montrer toutes les expressions artistiques, de la peinture au dessin, de la sculpture à la musique, de la danse à l’art vidéo, de la poésie à la photographie, etc. La première exposition dédiée à André Ostier est une célébration du talent de ce photographe et de son lien unique avec la famille Maeght. À travers son objectif, Ostier narre une époque, un lieu, et les connexions profondes qui ont marqué l’art moderne.

Pour la première exposition de cette nouvelle programmation, la Fondation Maeght a souhaité réaffirmer les valeurs qui ont toujours prévalu avec les personnes qui ont croisé son chemin : l’amitié, la créativité et la solidarité. À compter de mars 2025, en parallèle de l’exposition dédiée à la plasticienne Hélène Delprat, la Fondation présente une exposition exceptionnelle dédiée au photographe André Ostier (1906-1994), figure discrète mais incontournable de l’art du XXe siècle. À travers une sélection de 32 tirages argentiques, celle-ci met en lumière l’élégance et la finesse de son regard, révélant les liens uniques qu’il entretenait avec les artistes défendus par la famille Maeght et les grandes figures de son temps.

Célébré pour réussir à capter l’âme de ses sujets, André Ostier a photographié des artistes tels qu’Alberto Giacometti, Joan Miró, Georges Braque ou Alexander Calder. Homme du monde et esthète, il a immortalisé avec une rare sensibilité les moments de création et les événements qui rythmaient la vie artistique et culturelle portée par la famille Maeght dont il a été proche depuis les origines de la galerie, et que l’on retrouve à la Fondation.

Personnage « distant, discret, précis », Ostier était également proche des grands couturiers, des écrivains et des mécènes de son époque. Parmi ses amis figuraient Christian Dior, Marc Chagall, Leonor Fini ou encore Max Jacob. Peu d’artistes majeurs n’ont pas été photographiés. Ostier orientait son objectif avec une admiration sincère et une exigence artistique sans compromis.

« Ce qui est le plus important à l’instant où l’on fait la photographie c’est, dans un premier temps, de franchir le mur de réticence car on se trouve un peu dans la position du médecin qui ausculte. Dans un deuxième temps c’est de devenir complice et d’avoir apprivoisé le modèle. Ce moment est difficile à créer mais j’y parviens en exprimant ce que je ressens de l’œuvre du peintre - ou ce que j’en pense. » André Ostier

Exposition jusqu’au 9 juin 2025.

**** ROBERT HUMBLOT : Elégance et modernité »

Exposition du 16 mai au 21 septembre 2025.

**** BERNARD BRIANTAIS : Peintures.

Vernissage le 19 avril à 19h.

Exposition du 19 avril au 28 septembre 2025.

**** MYRIAM MIHINDOU : « Praesentia »

L’exposition Praesentia - titre évoquant présence, puissance et protection - propose une sélection généreuse du travail de Myriam Mihindou des 25 dernières années, incluant de nouvelles productions. L’exposition présente dessins, sculptures, installations, photographies et vidéos.

Exposition jusqu’au 4 mai 2025.

**** SARAH THIRIET : « Prélude à un sablier de Glace »

« Depuis quelques années, l'artiste Sarah Thiriet déploie un travail de sculpture, de photographie, de vidéo ou de performance.

Cette soirée est l'occasion de présenter une nouvelle étape de son travail, à travers des conférences de textes écrits par Mohammed Alhodi, rencontrés lors d'un atelier/projet mené avec la Cimade - Nouvelle fenêtre de Montpellier en 2017 et la présentation du montage d'un nouveau film tourné dans la ville-port de Sète puis au Bénin ».(NDM)

**** ALAIN RAULT : PORTRAIT SINGULIER 

« Alain Rault, né en 1952, est une figure emblématique de Rouen, connu pour ses gravures urbaines. 

À l’aide d’un clou, d’une pointe de couteau ou d’une pièce de monnaie, il inscrit mots, noms et phrases sur les murs, créant un univers à la fois chaotique et harmonieux.

Depuis plus de 40 ans, il vit en marge, revendiquant une liberté totale, affranchie des conventions sociales. Son œuvre brute et spontanée est une forme d’expression libre et singulière. » (NDM)

**** Liliana Porter, le jeu de la réalité. Des années 1960 à aujourd’hui.

Première rétrospective en France, mêlant des travaux historiques et récents, à travers un corpus d’une centaine d’œuvres…

"Liliana Porter explore différents médiums, gravure, peinture, sculpture, photographie, vidéo dans lesquels s’inscrit une recherche au long cours sur la perception de la réalité et les notions de temps et d’espace. Sa pratique de la gravure, qu’elle contribue à renouveler dès les années 1960 avec la création du New York Graphic Workshop, est au cœur de son travail. Cette technique redécouverte par les artistes du Pop Art et plébiscité en Amérique latine et du sud pour sa dimension politique, lui permet de porter un regard critique sur la notion d’auteur et de travail collectif, et d’offrir de nouvelles formes de narration. À partir des années 1970 elle se met à la photographie et intègre des images de son propre corps à des dessins notamment muraux, en écho aux préoccupations des artistes féministes de cette époque. La première partie de l’exposition retrace ce parcours tout en proposant une relecture du contexte historique, artistique et social de cette période, à l’aune de l’engagement de Liliana Porter et de la communauté d’artistes dans laquelle elle évolue. La seconde partie de l’exposition présente ses installations, dont deux produites spécialement pour les Abattoirs. Présentes dans son art depuis une vingtaine d'années, ces saynètes sont réalisées à partir de figurines populaires et d'objets du folklore contemporain glanés dans les marchés aux puces et au cours de ses voyages, qui se déclinent aussi en peintures et en vidéos. Poursuivant son exploration poétique du réel, Liliana Porter bouscule les codes de la représentation et remet sans cesse en question les processus de création et le pouvoir surréaliste de l’image." (NDM)

**** Tabita Rezaire. Fusion élémen.terre

Première exposition personnelle en France pour découvrir un ensemble d’œuvres inspirées des cultures mégalithiques (Monument préhistorique formé d'un ou de plusieurs blocs de pierre) sénégambiennes et du Brésil.

Les Abattoirs présentent la première rétrospective en France de l’artiste Liliana Porter (née en Argentine en 1941, résidant à New-York depuis 1964). À travers une centaine d’œuvres, l’exposition est conçue comme une traversée de son art. Mêlant œuvres historiques et travaux récents, elle met en évidence une nouvelle généalogie d’artistes femmes qui ont redéfini les limites de l’art conceptuel et ont transformé la poesié de l'installation.

Liliana Porter explore différents médiums, gravure, peinture, sculpture, photographie, vidéo dans lesquels s’inscrit une recherche au long cours sur la perception de la réalité et les notions de temps et d’espace. Sa pratique de la gravure, qu’elle contribue à renouveler dès les années 1960 avec la création du New York Graphic Workshop, est au cœur de son travail. Cette technique redécouverte par les artistes du Pop Art et plébiscité en Amérique latine et du sud pour sa dimension politique, lui permet de porter un regard critique sur la notion d’auteur et de travail collectif, et d’offrir de nouvelles formes de narration. À partir des années 1970 elle se met à la photographie et intègre des images de son propre corps à des dessins notamment muraux, en écho aux préoccupations des artistes féministes de cette époque. La première partie de l’exposition retrace ce parcours tout en proposant une relecture du contexte historique, artistique et social de cette période, à l’aune de l’engagement de Liliana Porter et de la communauté d’artistes dans laquelle elle évolue. La seconde partie de l’exposition présente ses installations, dont deux produites spécialement pour les Abattoirs. Présentes dans son art depuis une vingtaine d'années, ces saynètes sont réalisées à partir de figurines populaires et d'objets du folklore contemporain glanés dans les marchés aux puces et au cours

de ses voyages, qui se déclinent aussi en peintures et en vidéos. Poursuivant son exploration poétique du réel, Liliana Porter bouscule les codes de la représentation et remet sans cesse en question les processus de création et le pouvoir surréaliste de l’image.

Pour sa première exposition monographique en France, l’artiste Tabita Rezaire (née en 1989, vit et travaille en Guyane, France) présente un ensemble d’œuvres à la croisée des nouvelles technologies et des rituels ancestraux. À la fois artiste, agricultrice, professeure de yoga, doula (personne accompagnant les femmes enceintes), Tabita Rezaire propose de faire l’intercesseur entre nous et d’autres voies d’accès au monde. À travers ses installations vidéo, elle réinvente les technologies contemporaines à l’aune des sciences ancestrales pour repenser notre relation au cosmos, en réinvestissant la mémoire corporelle, séculaire comme digitale.

À l’heure du post-Internet elle imagine de nouvelles technologies du lien en invoquant les éléments naturels que sont l’eau, l’air et la terre nourricière, ainsi que les arts de la guérison. Dans ses œuvres, elle apparaît comme une incarnation digitale d’un être cosmique jouant des codes d’Internet et combinant des réalités numérique, corporelle, scientifique et spirituelle à des savoirs traditionnels dans un contexte postcolonial. Parmi ses projets récents, elle a créé le site d’AMAKABA dans la forêt amazonienne en Guyane, conçu comme un espace pluriel où les énergies de la terre (à travers la culture du cacao), du corps (avec les doula et le yoga) et du ciel (observatoire astronomique) fusionnent et donnent naissance à de nouveaux scénarios d'être-au-monde. L’exposition est ainsi pensée comme un voyage multidimensionnel où chaque installation devient un portail par lequel chacun et chacune est invité à restaurer une connexion à l’Univers. (NDM)

**** SORTIE DE BOITE (S). TRESORS DES RESERVES

Vernissage vendredi 14 février à 18h.

Exposition du 15 février au 2 novembre 2025

Semaine de l'Antiquité 

Chaque année, l'Antiquité est mise à l'honneur au mois de mars, sous l'impulsion de l'Artela-Cnarela (association des enseignants de langues anciennes). Grâce à diverses manifestations dans toute la France, dans les établissements scolaires et les universités, les sciences de l'Antiquité et les mondes anciens viennent à la rencontre de tous. Cette année, le thème retenu est : "Amour et Amitié".

Exposition du 17 au 23 mars 2025

**** UNE ANNEE PLACEE SOUS LE SIGNE DE LA CREATION CONTEMPORAINE.

« C’est avec une vision résolument généreuse, humaniste et contemporaine que la programmation culturelle 2025 qui se déploie au Mémorial, dans les forts de Vaux et de Douaumont et à travers tout le champ de bataille, a été conçue. Cette année, le musée accueille deux grandes expositions placées sous le signe de la création contemporaine. La première, « de terre : voyage d'un artiste au cœur du champs de bataille », est réalisée par Thibault Lucas, en résidence d'artiste au Mémorial. Au fil de ses rencontres et de ses pérégrinations sur le champ de bataille, il s’est imprégné de l’atmosphère de ce lieu emblématique et conçoit des œuvres inédites explorant les liens entre nature, histoire et mémoire. Présentée du 22 février au 31 décembre 2025, « Les petits objets de la Grande Guerre » est une exposition du dessinateur Marko, créateur des Godillots. L'année est également rythmée par de très nombreux événements : le Week-end aviation samedi 21 et dimanche 22 juin 2025, une journée d’étude jeudi 3 avril 2025, une création théâtrale de la Compagnie Des Miracles vendredi 5 et samedi 6 septembre 2025, mais également des conférences, un concert, un spectacle…

« Temple de la transmission », c’est ainsi que définissait Maurice Genevoix le Mémorial de Verdun dont il fut le fondateur et premier président. [...] À Verdun, l’histoire de la Grande Guerre s’inscrit dans le paysage, dans les sols de la forêt, dans les murs des forts, dans les monuments commémoratifs voulus par les anciens combattants. L’Histoire fait corps avec le terrain et le patrimoine. Et ce sont bien ces traces qui attirent les visiteurs et ne cessent d’inspirer les artistes. Le Champ de bataille de Verdun, avec son histoire et ses paysages uniques, demeure une source d’inspiration inépuisable pour les artistes. C’est cette force intemporelle que nous avons souhaité mettre en lumière à travers le fil rouge de l’année 2025 : la création contemporaine. Faire une place au travail des artistes de nos jours dans un tel lieu de mémoire n’est pas anodin : mettre en relation l’Histoire de la bataille de Verdun, de ses traces dans le sol, des témoignages de ses combattants avec des artistes multiples, c’est vouloir rendre intensément présent ce passé. La capacité des artistes à proposer une vision sensible donne en quelque sorte vie à l’Histoire, qui nourrit les créations artistiques sous toutes ses formes : elle est en ce sens un réservoir infini d’inspiration. Mais le travail des artistes enrichit également l’Histoire, notamment en offrant un regard sensible et souvent décalé : leur capacité à donner une matérialité à l’indicible constitue une contribution essentielle. [...] 

À travers une programmation riche et diversifiée et une année 2025 résolument contemporaine, le Mémorial de Verdun reste fidèle à sa vocation en continuant d’être un lieu de Mémoire, d’Histoire, de pédagogie mais aussi un lieu de culture et de rencontres, un lieu de vie. ». Nicolas Barret, directeur du Mémorial de Verdun - Champ de Bataille ». (NDM)

Exposition  du 3 avril au 31 décembre 2025.

**** Thibault Lucas de terre : voyage d’un artiste au cœur du champ de bataille.

« Le Mémorial de Verdun présentera l’exposition de Thibault Lucas de terre : voyage d’un artiste au cœur du champ de bataille. Pendant un an, le Mémorial de Verdun a accueilli en résidence l’artiste Thibault Lucas. Au fil de ses rencontres et de ses pérégrinations sur le champ de bataille, il s’est imprégné de l’atmosphère de ce lieu emblématique. L’artiste, particulièrement inspiré par cette immersion dans les paysages mutilés et les traces laissées par le conflit sur le terrain, a conçu des œuvres inédites explorant les liens entre nature, histoire et mémoire. L'exposition de terre constitue le dénouement des recherches et des expérimentations menées par Thibault Lucas lors de sa résidence.

S’exprimant à travers une grande variété de médiums, Thibault Lucas présente des peintures, sculptures et vidéos qui témoignent de ses réflexions. Spécialement pour le Mémorial, il a également conçu des installations immersives à partir d’éléments collectés sur le terrain. En interrogeant de manière sensible la porosité des frontières entre ce qui disparaît et ce qui reste, entre ce qui vit et ce qui meurt, l’exposition de terre illustre ce qui se produit quand l’art rencontre l’Histoire du Champ de bataille de Verdun. » (NDM)

Exposition du 3 avril au 31 décembre 2025

**** Fais-moi signe. Le langage secret des artistes

« Ferme d'en Haut, Villeneuve d'Ascq

À travers une sélection de dessins, de peintures et de photographies d'Etel Adnan, Mahjoub Ben Bella ou encore Giorgio Griffa, de la collection du LaM, enfants et familles explorent et expérimentent les multiples langages des artistes. Grâce à une scénographie à hauteur d'enfant, colorée et dynamique, des activités inventives et ludiques, c'est une véritable immersion dans l'art qui est proposé. » (NDM)

Vernissage mercredi 2 avril 2025 à 17h30.