**** ROBERTA GONZALEZ : 

 

Pour la première fois, le Centre Pompidou met à l’honneur Roberta González (1909-1976), artiste franco-espagnole active sur la scène parisienne et internationale à partir des années 1930. un ensemble de peintures, dessins, livres illustrés, objets d’art et pièces d’archives est présenté à l’occasion d’une donation de tableaux et dessins de la succession de l’artiste, qui viennent enrichir les œuvres acquises par le musée du vivant de l’artiste.                

D’une grande variété stylistique et technique, les œuvres de Roberta González portent principalement sur la figure féminine, déclinée en plusieurs identités et formes. Qu’elles soient naturalistes ou avant-gardistes, peintes ou dessinées, angoissées ou stoïques, ses paysannes, maternités et portraits portent tous un regard saisissant, teinté de nostalgie, et quelque peu méfiant, mais déterminé, qui scrute, qui questionne, qui analyse, à la manière de l’artiste elle-même, qui chemine vers sa voie artistique personnelle dans un monde chamboulé.

Les œuvres présentées au Centre Pompidou, datant principalement de la période 1935-1954, ouvrent une fenêtre sur une époque charnière dans la vie et l’œuvre de l’artiste. Ses femmes en postures tordues, dont la détresse s’accentue par leurs volumes éclatés et leurs formes distordues, sont sa réponse à la guerre qui frappe d’abord l’Espagne, pays d’origine de la famille González, avant de devenir une conflagration mondiale qui atteindra plus directement Roberta González et sa famille en France.      

Après la guerre, Roberta González cherche sa place sur la scène parisienne où tout avait changé. Pour aller vers l’avant, elle délaisse progressivement l’ombre de la guerre pour s’affirmer à la lumière de son style purement personnel. Celui-ci sera basé sur la dualité et les contrastes — ombre/lumière, figuration/abstraction, statisme/mouvement, obscurité/couleur, nostalgie/joie —, à l’image de l’artiste elle-même, à la fois française et espagnole, créatrice et promotrice de l’œuvre de son père, de caractère espiègle et joueur, mais aussi hautement sensible. La sélection d’œuvres de Roberta González sera enrichie de documents d’archives personnelles de l’artiste, des photographies, des dessins d’enfance et un extrait de son journal personnel inédit.

Pour mieux représenter la communauté créatrice à laquelle Roberta González faisait partie lors de la réalisation des œuvres exposées, elles sont présentées en dialogue avec une poignée d’œuvres de Julio González, son père, et du peintre abstrait allemand Hans Hartung, son premier mari. La longévité exceptionnelle de l’exposition qui durera un an donnera cours à un roulement des œuvres, permettant au public d’en optimiser leur découverte".  (NDM)

Exposition jusqu'au 9 mars 2025.

"Durant toute l’année 2024, la Fondation Dubuffet va fêter ses 50 ans d’existence. 

 

"La Fondation présente en ses murs rue de Sèvres, une grande exposition retraçant ses 50 ans d’activités, mettant en lumière la dotation initiale de l’artiste et dévoilant des œuvres majeures de sa collection, axées sur le portrait et la figure. Du 20 au 25 mars 2024, la Fondation Dubuffet est l’invitée d’honneur du Salon du dessin au Palais Brongniart à Paris.

Pour célébrer son cinquantenaire, la Fondation Dubuffet présente du 15 mars au 20 décembre 2024 Fondation Dubuffet : chronique de 50 ans d’activités, une exposition anniversaire scénographiée en trois temps. Après une première salle chroniquant les 50 ans d’activités de la fondation, deux salles sont dédiées à des œuvres majeures de la collection, axées sur le portrait et la figure : dons de l’artiste, legs de sa fille et acquisitions plus récentes. Le parcours de l’exposition se termine par une dernière salle évoquant l’atelier de la Cartoucherie de Vincennes et offrant un coup de projecteur sur la dotation initiale, apport essentiel lors de la constitution de la Fondation. 

À propos de la fondation

La Fondation Dubuffet est sans doute l’une des rares et toutes premières institutions en France dont le fondateur est l’artiste lui-même. Jean Dubuffet a constitué sa propre fondation pour assurer le respect de son œuvre mais également pour maintenir groupé et accessible au public un ensemble significatif de ses travaux. Les statuts de la Fondation Dubuffet ont été signés le 9 août 1973 et elle a été reconnue Établissement d’utilité publique par décret en Conseil d’État le 22 novembre 1974. Jean Dubuffet en assurera lui-même la présidence jusqu’à son décès en mai 1985. Nommée, par testament de l’artiste, titulaire de son droit moral, la Fondation Dubuffet assure le respect du nom de Jean Dubuffet, de sa qualité et de son œuvre. La Fondation est également détentrice des droits patrimoniaux, par legs de la fille de l’artiste, Isalmina Dubuffet, décédée en 2003. La Fondation Dubuffet est établie sur deux sites : l’un à Périgny-sur-Yerres dans le département du Val-de-Marne et l’autre dans le VIe arrondissement de Paris. 

À propos de Jean Dubuffet

Peintre, graveur, sculpteur, architecte et écrivain, Dubuffet est un artiste prolifique. Rétif à toute catégorie, il invente un langage plastique nouveau libre de toute norme établie. Ce n'est qu'en 1942 qu'il se consacre définitivement à l'art. Après avoir célébré l'homme du commun dans une verve enfantine, il explore de nouveaux matériaux (bitume, sable, gravier, fibre végétale). Sa production est jalonnée d'expérimentations multiples regroupées en différents cycles dont le plus long est celui de l'Hourloupe (1962-1974), projection mentale et dématérialisée du monde. (NDM)

 

Exposition du 15 mars au 20 décembre 2024.

**** GILBERT PEYRE : "L'électroanomaniaque"

Et 

**** MALCOM DE CHAZAL

 

Vernissage le mardi 10 septembre à 18h30.

Exposition du 11 septembre 2024 au 19 janvier 2025.

 

**** LE DIBBOUK FANTOME DU MONDE DISPARU

 

Vernissage le 25 septembre de 16h à 21h.

Exposition du 26 septembre 2024 au 26 janvier 2025.

 

**** JERÔME ZONDER : C’EST UN PETIT CHEMIN

 

Le mahJ invite l'artiste Jérôme Zonder à investir la galerie contemporaine. L’artiste a imaginé une installation qui se déploie au sol et sur les murs de la galerie contemporaine dans laquelle propose au visiteur de déambuler à l’intérieur même de l’œuvre, vaste plateau de jeu à parcourir case après case, avant d’être enfermé dans un cycle sans fin au milieu des images.

 

Exposition jusqu’au 27 octobre 2024

**** CHEFS-D'ŒUVRE DE LA COLLECTION TORLONIA

 

La plus grande collection privée de sculpture antique romaine se dévoile au public pour la première fois hors d’Italie, dans l’écrin restauré des appartements d’Anne d’Autriche. Un dialogue fécond avec les collections nationales françaises.

 

Exposition du 26 juin au 11 novembre 2024.

 

**** VOUS AIMEZ LES DEFIS ?

 Parcourir 15 kilomètres de galeries dans le musée. Apprendre que le sport n’a pas de tout temps été un loisir et que, dès l’Antiquité grecque, les athlètes pouvaient suivre un entraînement avec un régime alimentaire spécifique selon leur discipline. Savoir que les médailles et les trophées n’ont pas toujours existé mais que la Victoire et la Renommée nous inspirent depuis des siècles…

 Vous êtes essoufflé ? Chacune des 33 000 œuvres exposées sont autant d’occasions de prendre un temps de récupération. Mais attention ! Leur beauté et leur histoire sont à couper le souffle ! Soyez endurant, il vous faudra arpenter 73 000 mètres carrés, l’équivalent de 10 stades de football.

 Bienvenue dans votre nouveau terrain de jeu !(NDM)

**** TADEO CERN : 

 

Dans le cadre du programme « Un artiste, un monument » et de la Saison de la Lituanie en France, le Centre des monuments nationaux, l’Institut culturel lituanien et l’Institut français invitent l’artiste lituanien Tadao Cern pour une création in situ à l’abbaye de Beaulieu-en-Rouergue 

Alors qu’à l’instar des abbayes médiévales, l’abbaye de Beaulieu était environnée de terres à céréales et de granges recevant les récoltes, la nouvelle création de l’artiste s’inscrira dans sa série dédiée aux parallélépipèdes monumentaux de graminées. Installée dans le chœur de l’abbatiale, cette œuvre intitulée L’Adieu élève un rectangle semé de blé vers la cime de l’église. L’artiste convie ainsi les visiteurs dans un espace introspectif, les invitant à considérer la notion d’adieu, faisant écho à la vocation religieuse de l’édifice. « Émettant une douce lueur, les herbes à longues tiges renvoient à la nature organique, au cycle du vivant et au désir existentiel de l’homme confronté au vieillissement et à la mort. J’ai tenté d’imaginer les dernières images précédant notre trépas. À mon avis, ce serait quelque chose de simple, de banal, comme l’évocation d’un champ de blé au coucher du soleil... Ce lieu commun demeure une image puissante et profonde. Ainsi, ce ciel duveteux que je suspends dans la nef est-il appelé à donner le sentiment de flotter, de voguer, d’être transporté vers les nuées ».Tadao Cern

 

Exposition du 7 juillet 2024 au 5 janvier 2025

**** DANIEL DEWAR ET GREGORY GICQUEL 

 

« Le duo d’artistes franco-britannique Daniel Dewar & Grégory Gicquel propose une installation conçue pour la salle des festins du palais Jacques Coeur de Bourges, comprenant un ensemble de sculptures caractéristiques de leur pratique récente et en dialogue avec le lieu et son contexte historique. Cette exposition s’inscrit dans la programmation de la 5e édition de Bourges Contemporain 2024 qui aura lieu du 7 juin au 22 septembre 2024. Parmi ces sculptures, des pichets en grès prennent la forme d’un pied agrémenté d’une anse, un motif récurrent dans le travail du duo depuis plusieurs années. Une jarre voit sa surface recouverte de torses luisants qui se démultiplient et sur lesquels se découpent des escargots. Face à l’opulence du palais, à ses cheminées monumentales ouvragées et à ses nombreux ornements, qui jadis faisait état de la richesse du propriétaire, accumulée grâce au commerce et à l’impérialisme naissant, Dewar & Gicquel nous invitent, héritiers de ce passé, à renégocier et à repenser notre manière d’habiter le monde, le tout avec joie et humour. » (NDM)

**** MAX JACOB, LE CUBISME FANTASQUE

 

"L'exposition dresse un portrait renouvelé de l’une des plus importantes figures de la modernité picturale et littéraire de la première moitié du XXe siècle. Le parcours explore la fantaisie et les paradoxes d’une personnalité aux multiples facettes se situant au cœur de la galaxie cubiste.

À la fois poète, peintre, critique, romancier et épistolier à l’origine de l’une des plus riches correspondances de son temps, Max Jacob est l’un des premiers soutiens de Pablo Picasso lorsque le peintre arrive à Paris en 1901. Il est également le témoin privilégié de la naissance du cubisme en 1907, puis de l’éclosion du cubisme synthétique auquel lui aussi participe. Aux côtés d’Eva Gouel, de Pablo Picasso et de Manolo à Céret en 1913, l’artiste réalise un exceptionnel ensemble de dessins et de gouaches qui reflètent ses expérimentations cubistes.

Artiste prolifique, le poète s’empare du cubisme pictural pour le traduire en littérature. « Le cubisme en peinture est l’art de travailler le tableau par lui-même en dehors de ce qu’il représente [...] ne procédant que par allusion à la vie réelle. Le cubisme littéraire fait de même en littérature, se sert seulement de la réalité comme d’un moyen et non comme d’une fin » écrit-il en 1917.

Recourant aux calembours et à la satire, Max Jacob place sa poésie dans l’aire du jeu pour exprimer ses réflexions sur l’existence. La légèreté et la gravité apparaissent indissociables dans son œuvre comme dans sa vie.

L’exposition met en lumière cette dualité propre à l’artiste, en parcourant son rapport au monde du spectacle vivant, mais aussi à l’ésotérisme et à la religion. Grand amateur de théâtre et de cirque, son œuvre reflète le bouillonnement culturel du début du siècle. Animé par une profonde spiritualité, Max Jacob cultive plusieurs croyances astrologiques qu’il fait dialoguer à sa foi chrétienne. 

Forte de plus de 120 pièces parmi lesquelles plusieurs documents inédits, l’exposition réunit les travaux de Max Jacob et de ses contemporains, de Pablo Picasso à Juan Gris, en passant par Manolo, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Jean Cocteau, Marie Vassilieff, Alice Halicka, Serge Férat, ou encore la baronne d’Oettingen.

À l’occasion du quatre-vingtième anniversaire de la déportation et de la mort de l’artiste au camp de Drancy, la proposition du musée d’art moderne de Céret présente la vie et l’œuvre de celui qui n’a « jamais poli » son style, entre littérature et arts graphiques, à travers ses collaborations avec les plus grands peintres, poètes, intellectuels et musiciens de son temps." (NDM)

 

Exposition du 29 juin au 1er décembre 2024.

**** JULIEN DES MOUSTIERS : "Dehors dedans"

 

" les œuvres de Julien des Monstiers animent les murs de Chambord de motifs contemporains issus d’un passé lointain. La construction minutieuse des œuvres à travers la superposition d’aplats de couches de peinture fait coexister différentes temporalités dans un même espace. Des images brouillées se recomposent en un entrelacs de motifs et de couleurs dominées par le couple complémentaire orange et bleu.

La démarche consiste en un travail autour de la peinture, Julien des Monstiers adopte des formes et des gestes empruntés aux grands récits, mais aussi à l’histoire de ses motifs : scènes de chasse, décors floraux, tapisseries, avec une certaine prédilection pour les scènes animalières. L’artiste travaille ses tableaux avec la technique du report : il peint ses dessins sur une plaque de plexiglas puis, via un premier transfert de la peinture encore fraîche sur un papier cristal, reporte le motif obtenu sur la toile par pression dans d’incessants allers-retours.

Grâce à son approche virtuose et novatrice de la peinture à l’huile, Julien des Monstiers est aujourd’hui considéré comme une figure montante de l’art contemporain.

« Avec Julien des Monstiers, c’est l’un des peintres les plus doués de sa (jeune) génération que le Domaine national de Chambord invite à exposer sous les voûtes à caissons et dans les salles adjacentes du second étage du château. Un peintre dont les motifs rencontrent très évidemment l’esprit des lieux : que ce soient ses tableaux animaliers, ses scènes de chasse, parfois empruntées à de grands artistes du passé comme Oudry, ou encore ses tapis ou tapisseries, les œuvres de Julien des Monstiers résonnent de façon très étroite avec les murs du château, sa décoration ou son activité cynégétique. 

C’est à cette rencontre qu’invite l’exposition. Elle permet aux visiteurs de se familiariser avec une technique particulière, faite d’ajouts de différentes couches de peinture, pour donner à voir le travail d’un coloriste hors pair. Colorés, balafrés, denses et énigmatiques, les tableaux de Julien des Monstiers donnent à voir une joie de peindre communicative, mais aussi une manière d’interroger les images qui nous submergent aujourd’hui. » Pierre Dubreuil Directeur général du Domaine national de Chambord

 

Exposition du 26 mai au 3 novembre 2024.

****BOTTICELLI :  DEUX MADONES A CHAMBORD

 

Trésor insoupçonné de l’église Saint-Félix de Champigny-en-Beauce, La Vierge et l’Enfant avec le jeune saint Jean-Baptiste, datée initialement du XIXe siècle, a récemment été authentifiée comme une œuvre originale du XVIe siècle issue de l’atelier du peintre italien Sandro Botticelli (1445-1510). L’œuvre sera présentée dans la chapelle du château de Chambord du 20 octobre 2024 au 19 janvier 2025 aux côtés de son modèle conservé au Palazzo Pitti à Florence, grâce au prêt exceptionnel de la Galerie des Offices.

Le tableau originel de Botticelli, présenté au sein de la Galerie des Offices de Florence (galerie Palatine) semble avoir été réalisé quinze ans avant celui conservé dans l’église Saint-Félix de Champigny-en-Beauce, dans le Loir-et-Cher. Ce dernier est longtemps passé inaperçu car considéré comme une copie du XIXe siècle. Le conservateur Matteo Gianeselli est le premier à attirer l’attention sur la toile de Champigny-en-Beauce lors de recherches menées sur les tableaux italiens conservés dans les collections publiques françaises. Il identifie l’oeuvre comme un original du XVIe siècle réalisé au sein de l’atelier florentin de Botticelli.

Sous la coordination de la DRAC Centre-Val de Loire, l’huile sur toile est restaurée au sein des ateliers du Centre de Recherche et de Restauration des Musées de France (C2RMF) avant sa présentation dans l’exposition Botticelli, artiste et designer en 2021-2022 (Musée Jacquemart-André), aux côtés du prototype de Florence. La découverte de Matteo Gianeselli est ensuite confirmée par un examen critique d'historiens de l’art et par des analyses technico-scientifiques très poussées réalisées au sein du C2RMF sous la direction de Dominique Martos-Levif. Le 30 juin 2021, le tableau de Champigny est classé au titre des Monuments historiques.  

Une autre version de la Vierge et l’Enfant avec le jeune saint Jean-Baptiste a été exécutée dans l’atelier de Botticelli autour de 1500. Elle appartient aujourd’hui à la collection du Barber Institute of Fine Arts de Birmingham (Royaume-Uni).

Similaires tout en restant singulières, les deux toiles présentées dans la chapelle du château de Chambord témoignent de l’évolution des techniques de peinture, mais aussi du fonctionnement de l’atelier de Botticelli et de la manière dont les artistes florentins ont multiplié les représentations de la Sainte Famille. Le tableau de Champigny est ainsi très proche de celui de Florence mais avec une composition inversée, sans doute liée à la technique du calque, et une variation de l’arrière-plan (extérieur avec rosier, intérieur avec ombre).

La réunion des deux tableaux fait écho aux influences des artistes italiens dans le Val de Loire, parmi lesquels Léonard de Vinci, dont les travaux ont inspiré l’architecture de Chambord et son célèbre escalier à double révolution.(NDM)

 

Exposition du 20 octobre 2024 au 19 janvier 2025.

**** SUZANNE HUSKY : 

 

L'exposition, intitulée « Histoire des alliances avec le peuple castor », s’inscrit également dans le cadre du Printemps du Dessin. Elle fait aussi écho à l'Année du Castor, période de célébration et de sensibilisation entre le printemps 2025 et l'été 2025, qui célèbre le 50e anniversaire de la réintroduction de l'animal sur les bords de la Loire. 

Pour son exposition au château de Châteaudun, Suzanne Husky nous invite à reconsidérer le temps profond des rivières à travers l’histoire des alliances entre humains et castors. Mettant en avant la figure du castor, crucial pour la santé des cours d’eau en France, endommagés à 90%, l’artiste souligne son rôle inattendu en tant qu’allié face aux changements climatiques. Pendant huit millions d’années, les castors ont façonné les paysages aquatiques et les zones humides. Il fut vénéré, parfois déifié, on retrouve la trace de sa présence dans de nombreux lieux et cours d’eau de France. Progressivement, la géographie humaine prit la place de celle des castors, conduisant à leur quasi-disparition et à l’effondrement de tout un écosystème. Le château de Châteaudun se situe sur un territoire où les castors d’Europe, espèce protégée, se sont réinstallés durablement. Dominant les bords du Loir, le monument abrite également la deuxième plus importante collection de tapisseries anciennes en France, faisant écho à l’une des sources d’inspiration de Suzanne Husky : la tapisserie de Bayeux. Dans ce contexte, l’artiste travaille à la conception d’une tapisserie monumentale sur l’histoire géopolitique de l’alliance entre les castors et les humains. 

Une autre tapisserie de Suzanne Husky (« Bièvre, bâtisseur de mondes ») ainsi que des bâtons de castors et un castor naturalisé, seront présentés dans le parcours de visite afin de renforcer la dimension pédagogique de son travail en présentant l’écosystème dans lequel évolue le castor. À travers cette exposition, l’artiste souhaite sensibiliser à la nécessité de réintroduire les castors pour restaurer nos milieux naturels face au changement climatique. Elle perpétue l’histoire de la mise en scène esthétique du savoir scientifique en restaurant le castor à sa juste place et en encourageant une nouvelle alliance avec le vivant. Cette exposition est pensée en collaboration avec le philosophe et chercheur Baptiste Morizot, spécialiste des relations entre l’humain et le vivant, qui développe un manifeste en vingt points sur les urgences climatiques dans le catalogue de l’exposition".(NDM)

 

Exposition jusqu'au 3 novembre 2024.

**** OLA MIRECKA : SO GREEK ! 

 

" Lumière sur la collection de vases grecs d’Antoine Vivenel », organisée dans la salle dédiée du Centre Antoine Vivenel (CAV), met en lumière le fleuron des collections du musée Antoine Vivenel rassemblant la deuxième plus importante collection de vases grecs après celle du musée du Louvre. Adressée à tous les publics, celle-ci est programmée avec l’intention de rendre une partie de cette riche collection accessible dans l’attente de la réouverture, dans le parcours permanent du musée, de la salle des Antiquités méditerranéennes fermée pour rénovation. Immersive mais sans artifice, l’exposition fait la part belle aux dieux, héros et monstres visibles sur les vases : un voyage dans le temps guidé par la voix des peintres qui les ont exécutés avec talent et minutie. La scénographie, sensible et originale, nous invite dans l’univers de l’illustratrice Manon Mahdavi, qui a également réalisé un diorama en 3D du Banquet présenté à l’Office du tourisme en écho à l’exposition, ainsi qu’une illustration des Jeux d’Athènes. Ces derniers sont évoqués à travers la présentation des vases panathénaïques que le musée conserve. Ces amphores remplies d’huile provenant des oliviers sacrés d’Athéna étaient jadis remises aux vainqueurs. Elles sont ornées de scènes illustrant certaines épreuves représentées sur l’une des faces, l’autre face présentant Athéna, la déesse tutélaire de la cité. Au fil du parcours, le visiteur est plongé dans l’atmosphère du Banquet annonçant la présence du dieu Dionysos et reconstitué pour proposer une expérience plus immersive ; puis dans celui du demi-dieu Héraclès, le héros favori des potiers d’Athènes. Un peu plus loin, le voici invité à la découverte d’autres thèmes (le quotidien des Grecs, la guerre…) développés à travers les scènes peintes sur les vases, dont l’étude est actuellement renouvelée par une équipe de chercheurs de l’Institut National de l’Histoire de l’Art (INHA) objectivant la réactualisation des connaissances que nous en avons. Les résultats de leurs travaux seront présentés à l’occasion d’une journée d’études prévue en octobre 2024 et nourriront le nouveau catalogue en projet." (NDM)

 

Exposition du 15 juin au 29 décembre 2024.

**** FABRICE HYBER : "Humeurs"*

 

"Après avoir installé ses hommes verts dans le bassin du Domaine national du Palais Royal pour les trente ans de l’Homme de Bessines, Fabrice Hyber expose ses créations à la villa Cavrois. 35 hommes et femmes de Bessines occupent ainsi l’ensemble de l’espace du miroir d’eau. Ses POF (Prototype d’Objets en Fonctionnement) occupent quant à eux l’ensemble des salles de la villa. 

L’artiste imagine en parallèle un potager de 500 m² sur la parcelle en friche au fond du parc, pouvant être entretenu de façon pérenne après l’exposition, en poursuivant un objectif pédagogique. Présent depuis une vingtaine d’années sur la scène artistique internationale, Fabrice Hyber procède par accumulations, proliférations, hybridations et opère de constants glissements entre les domaines du dessin, de la peinture, de la sculpture, de l’installation, de la vidéo mais aussi de l’entreprise et du commerce.

À propos de Fabrice Hyber

 

Né en 1961 en Vendée, Fabrice Hyber intervient dans des domaines variés tels que le dessin, la peinture, la sculpture ou la vidéo. Attaché à la nature, à l’économie, au commerce et aux sciences, il a créé des systèmes autour de la production artistique avec les entreprises, des scientifiques et des laboratoires à travers le monde. Fabrice Hyber revendique un attachement aux mathématiques, aux sciences, mais également à la philosophie de Gilles Deleuze." (NDM)

**** GERARD DUCHENE : "L'Appel du large"

 

« Comme une trace de la présence de l’absence1 »

 

Première rétrospective muséale de l’œuvre de l’artiste lillois Gérard Duchêne, cette exposition revient sur les rencontres qui ont façonné l’artiste, depuis sa participation à des collectifs d’artistes et écrivains tels que Textruction jusqu’à ses dernières séries d’œuvres. Au travers des pièces rares ou inédites issues du fonds d’atelier et d’œuvres de collections privées et publiques régionales, l'exposition révèle le lien intime entre le poète et le peintre, transformant les mots et les textes en matière picturale par des gestes de destruction et d’effacement.

« Dix années après le décès de Gérard Duchêne, il est temps de porter un regard neuf sur l’ensemble de l’œuvre singulière de cet artiste, empreinte des préoccupations de son époque. Le projet se construit dans un parcours de quatre salles, donnant toute leur place aux différents aspects de son œuvre.

Gérard Duchêne (1944-2014) fut très jeune porté par le désir d’écrire de la poésie. Ses premières références ont, entre autres, été Henri Michaux, les surréalistes et Samuel Beckett. Malgré une certaine reconnaissance, l’artiste ne se retrouve pas dans la réception de ses textes : les interprétations littéraires qui sont faites lui semblent trop éloignées de ses préoccupations personnelles, bien plus littérales. Phrases et narration ne sont pas ses enjeux. Les mots s’équivalent, se découpent ou se couplent ; les vides ou espaces sont tout autant constituants ; les pages et leur succession sont des territoires à réinventer et seule l’intention de continuer à trouver ce qui pourrait encore être écrit compte.

« Dix années après le décès de Gérard Duchêne, il est temps de porter un regard neuf sur l’ensemble de l’œuvre singulière de cet artiste, empreinte des préoccupations de son époque. Le projet se construit dans un parcours de quatre salles, donnant toute leur place aux différents aspects de son œuvre.

Gérard Duchêne (1944-2014) fut très jeune porté par le désir d’écrire de la poésie. Ses premières références ont, entre autres, été Henri Michaux, les surréalistes et Samuel Beckett. Malgré une certaine reconnaissance, l’artiste ne se retrouve pas dans la réception de ses textes : les interprétations littéraires qui sont faites lui semblent trop éloignées de ses préoccupations personnelles, bien plus littérales. Phrases et narration ne sont pas ses enjeux. Les mots s’équivalent, se découpent ou se couplent ; les vides ou espaces sont tout autant constituants ; les pages et leur succession sont des territoires à réinventer et seule l’intention de continuer à trouver ce qui pourrait encore être écrit compte.

À la même époque en France continuent de se propager de nombreuses réflexions esthétiques : le lettrisme, la poésie sonore, la poésie-action, le Nouveau Réalisme, le Nouveau Roman, BMPT, Supports/Surfaces, la revue TXT, etc.

La déconstruction des éléments constitutifs de la création permet l’émergence de nouvelles pratiques. Le travail s’organise principalement en collectif autour d’une idée précise des choses. Gérard Duchêne trouve là un élan qui l’incite à dialoguer avec d’autres artistes de sa génération et à initier ses premières expérimentations au-delà de la page et du livre." (NDM)

 

Exposition jusqu'au 13 octobre 2024

****SABIEN WITTEMAN : Pensées

 

Exposition jusqu'au 31 octobre 2024

 

**** TADAO CERN

 

« Dans le cadre du programme « Un artiste, un monument » et de la Saison de la Lituanie en France, le Centre des monuments nationaux, l’Institut culturel lituanien et l’Institut français invitent l’artiste lituanien Tadao Cern pour une création in situ à l’abbaye de Beaulieu-en-Rouergue. 

Tadao Cern, né en 1983, est un artiste lituanien qui vit et travaille actuellement à Vilnius, en Lituanie. Il est diplômé d’un master en architecture à la Vilnius Gediminas Technical University de Vilnius. En 2011, il décide de s’orienter vers une carrière de photographe. Ses photographies furent publiées dans le New York Times, The Guardian, The Atlantic, Le Monde, BILD, ELLE et d’autres publications de renom. Le succès de ces projets a donné lieu à des expositions dans le monde entier, notamment au Vang Gogh Museum d’Amsterdam et à la Saatchi Gallery de Londres. Tadao Cern a remporté de nombreux prix photographiques, ce qui lui a permis de créer des campagnes pour de nombreuses marques. " (NDLG)

 

Exposition jusqu’au 5 janvier 2025. 

**** MIRO

 

Né à Barcelone en 1893, Joan Miró s’affirme comme une figure centrale de l’art du XXe siècle. Après un début de carrière marqué par des compositions cubistes et une adhésion au surréalisme dans les années 1920, son parcours artistique est animé par une quête incessante d’innovation, il explore une multitude de techniques et de supports, repoussant constamment les limites de l’expression artistique.

Cette exposition réunit plus de 73 œuvres, dont 23 sculptures, des peintures, des céramiques, des lithographies, des collages, des gravures, des gouaches, des fusains, des dessins à l’encre de Chine et des lavis, réalisées entre 1956 et 1977.

Fasciné par la poésie, Miró développe à partir des années 1960 un lyrisme vibrant où formes et couleurs explosent dans une épopée visuelle où tout devient signe et langage. Joan Miró amorce une phase décisive de son parcours artistique. Marquée par une rupture franche avec les conventions picturales traditionnelles, cette période voit l’éclosion d’un langage visuel unique et puissant, qui le propulsera au rang de maître incontesté de l’art moderne.

 

L’exposition Miró du Musée des Cultures et du Paysage d’Hyères invite le public à un voyage dans l’univers foisonnant et poétique de cet artiste visionnaire. À travers un parcours chronologique et thématique, l’exposition dévoile les multiples facettes de son génie et s’efforce d’offrir au public une meilleure compréhension de son processus créatif révolutionnaire". (NDM)

Exposition du 13 juillet au 24 novembre 2024.